CURSOS DE MUSICA DE LA IGLESIA EVANGELICA PENTECOSTAL

CUARTETO JOIN EN LAS LOMAS DE MACUL DE IEP ÑUÑOA

2010-05-29T21:23:00.006-04:00

Un hermoso evento realizado en el local de las Lomas de Macul de IEP Ñuñoa, juntos a nuestras hermanas Cuarteto femenino JOin,se agradece en especial al hermano Guia de clase y su amado pastor.

CORO DE LAS 1000 VOCES

2010-05-29T21:13:00.003-04:00

Agradezco a mi amado Superintendente Eduardo valencia Martinez y mi pastor Feliciano Castillo la confianza depositada en mi persona y mi amigo el hermano Guillermo Jaramillo, director del coro de Valparaiso para estar a cargo de gran coro a gradezco a todas las iglesias que trabajaron arduamente y su gran sacrificio en llevar adelante en esta celebracion de los 100 años de nuestra iglesia, sera una experienza dificil de olvidar que nos marcara por siempre en nuestra actividad musical.

CLAUSURA CURSO DE TOME

2010-05-29T21:05:00.003-04:00

Un gran saludos a la Iglesia de Tome el curso mas pequeño realizado en la Iep con la participacion de las iglesias de Tome, Penco y Dichato, gratos recuerdos un gran abrazo.

CLAUSURA CURSO DE CHIGUAYANTE

2010-05-29T20:58:00.004-04:00

Clausura del curso de Chiguayante, mis agradecimientos a mi pastor Maximo Oyarzo y su amada esposa y familia por todas sus atenciones y los hermanos juntos a sus amadas iglesias.-

2ª SEMANA DE CURSO EN CHIGUAYANTE

2009-05-11T15:36:00.003-04:00

Segunda semana del taller de musica en Chiguayante, nos coopero el hermano Abelardo Barrera, en apoyo en materias musicales como asi tambien en el aspecto espiritual.

Se agradece la buena atencion de los hermanos de Chiguayante y en especial el hno Joelito Saavedra.

Se esta pasando Chiguayante.-

TALLER DE MUSICA EN CHIGUAYANTE

2009-05-04T17:20:00.004-04:00

Estimados Hermano:

Me es muy grato compartir con Uds, en nuevo taller de musica que comenzo el dia 02 de mayo del 2009, los dias sabados y domingo con las iglesias de Chiguayante, Antuco, Nacimiento Bajo,Santa Juana, Michaihue,Hualqui, San Pedro de la Paz,San Rosendo, y Mulchen.

El sabado a las 09:30 comenzamos este nuevo taller en los cuales para mucho de los hermanos que asisten, es un desafio el poder lograr los objetivos que se han trazado.

Esperamos en Dios que sea de una gran bendicion para los hermanos que asistan.

NUEVO TALLER DE MUSICA EN QUINTERO

2008-02-11T19:08:00.000-03:00

Un gusto saludar a mis hermanos una vez mas, habiamos pretendido no seguir realizando Talleres de Direccion Coral, por muchas razones, pero debemos reconocer que el cariño de muchos hermanos y la solicitudes de varias iglesias de ir a realizar un taller, nos convoca una vez a realizar un TALLER DE MUSICA EN LA AMADA IGLESIA DE QUINTERO.-

Lo cual nos llena de alegria y nos compromete a seguir trabajando desinteresadamente en el desarrollo de este ministerio que es la ALABANZA.-
Dios bendiga a mi Amado Superintendente por esta oportunidad que nos brinda de realizar este nuevo taller y un saludo especial para nuestro Amado Pastor Presbitero Rene Madrid y esperamos en Dios una pronta recuperacion en su salud.-

Exponemos a continuacion una articulo del Hno. Miguel Amngel Huerta sobre El Coro y su fincion en la Iglesia:

EL CORO Y SU FUNCIÓN COMO CORAZÓN DE LA IGLESIA

Por: Miguel Ángel Huerta.

Corazón. Eso somos.
El cuerpo de Cristo - dice el Apóstol - se compone de varios miembros y cada
uno de ellos tiene una función específica importantísima y vital en relación para todo el cuerpo.

El Coro es el CORAZON, es el alma de la iglesia, el motor de la congregación. Quien palpita el amor de Cristo, quien anima, exhorta, consuela, invita, alaba, todo por medio de su presencia, de sus cantos, de su actitud, de la expresión de sus rostros, de su personalidad.

El Coro no somos muchos, el coro es uno. Precisamente en esto se encuentra su fuerza, en la UNIDAD, unidad que el mismo Señor Jesús expresaba en la oración del Getsemaní (Sn. Juan 17:1). Tenemos que ser uno en nuestros propósitos aunque formemos parte de un coro monumental, y aún cuando seamos un coro pequeño, es que, precisamente nuestra fuerza no se encuentra en el número, sino en la unidad, si somos uno con Cristo, somos uno con el Padre, y si somos uno con el Padre somos uno con la Iglesia.

El coro no es solamente un grupo musical, es mucho más.

El coro es un modelo de vida, es una actitud a seguir, es expresión a imitar, es una causa a la que la Iglesia se debe unir.

El coro debe hacer patente el amor de Cristo, el sacrificio en la cruz, el amor de Dios, precisamente por eso es el Corazón. El corazón tiene el maravilloso don de hacer sentir por medio del Espíritu de Dios, lo que le haga falta a la Iglesia, porque está unido a ella, porque sabe lo que siente, porque sabe lo que le hace falta.

Puede el coro por medio de la alabanza enviar consuelo, animar, consolar y al mismo tiempo engrandecer con impresionante fuerza el nombre de Jesucristo. Por eso la iglesia dice amén cuando nos escucha, porque significa, estoy de acuerdo,

El coro ocupa el lugar del instrumento material que era utilizado para la alabanza en el antiguo pacto, y que hoy en la Gracia es un instrumento de justicia, por medio del cual la Iglesia hace suyas las palabras de una melodía y la eleva a Cristo.

La Iglesia llora, la Iglesia sufre, la Iglesia canta, alaba, pero no lo hace sola, tiene un instrumento en sus manos, el coro, su propio corazón, y de la abundancia de su corazón sale una alabanza a Dios.

Por eso el coro debe de estar consagrado, debe estar unido en perfecta armonía al cuerpo, porque, ¿de qué otra manera podría como instrumento dar sonido cierto para la batalla?

Entonces no somos como un metal que suena o címbalo que retiñe, somos un instrumento vivo, que puja, que palpita, con un maravilloso don que Dios nos da al momento de ser un miembro de este grupo, el Coro. Por eso es preciso que entendamos en todo momento la importancia de nuestro trabajo espiritual, una grande y preciosa responsabilidad.

Que Dios nos permita ser por siempre un corazón sano que lleve la sangre con perfecta calidad espiritual a cada miembro del cuerpo y que cada día haya mas cristianos que se unan con nosotros para seguir siendo por todas las generaciones... EL CORAZON DE LA IGLESIA.

A mi Superintendente Con Cariño y Respeto

2007-12-23T16:17:00.000-03:00

Quiero en este Blog, que es de caracter musical y apoyo a los alumnos de los curso de musica,hacer un pequeño reconocimiento a Mi superintendente en esta semana muy compleja para el, pero que historicamente nuestra Iglesia no a estado exento de situaciones como esta, como no recordar el año 1932 ( pastor Umaña) y el año 1952 (pastor pavez hijo).

Siempre habran hombres que olvidaran sus raices y su deseo de poder los llevara por un mal camino.-

Cuido mucho de poner fotos de mi Superintendente por respeto a su persona e investidura, pero en esta oportunidad junto a mi amada esposa quiero manifestarle mi gratitud de todos los hnos. de los cursos de musica, sin su iniciativa nada de esto se habria hecho.-

Soy fiel a la promesa que un dia le hice a mi madre, de siempre estar al lado del Pastor Valencia año1986 , hoy mi Superintendente, concluyo con un extracto del fuego de Pentecontes del año 1931 mes de Agosto pag.2 dice:

"Dijo un viejo marino a un aprendiz: En la marina tiene solamente dos cosas entre las cuales elegir: la una es el deber: la otra es la rebelion.¿Acaso sera diferente en la vida cristiana ?.-

Fuerza mi querido y Amado Superintendente.-

Eliecer Collarte Garcia.-

Coordinador de los Curso de Musica.-

NOSTALGIA DE BOLIVIA

2007-12-02T01:02:00.000-03:00

Un hermano puede no ser un amigo, pero un amigo será siempre un hermano.

Demetrio de Falero (350 AC-280 AC) Orador, filósofo y gobernante ateniense.-

Un gran saludo a mis amigos y hermanos de BOLIVIA, a traves de algunas paginas y blog, han manifestado que existiria alguna prohibicion de las autoridades espirituales en Chile para volver a Bolivia a trabajar en un taller de musica, quiero aclarar lo siguiente:

El Curso de Musica efectuado en Cochabamba en este año conto con todo el respaldo de nuestro Amado Superintendente y un respaldo incondicional de mi amado pastor Eliseo Caro, junto a los amados pastores Presbiteros Carlos Gonzalez y Ortlando Tapia(el cual dono los pasajes para estar con mis hermanos bolivianos).-

No existe ninguna prohibicion de parte de mi pastor Eliseo Caro y de nuestra maxima autoridad, al contrario toda la libertad para trabajar con mis hermanos bolivianos en lo que ellos estimen conveniente.-

tengo lindos recuerdos de los hermanos en Bolivia, su cariño y afecto me cautivo, al despedirme como pueden ver en la s fotos nunca pense que un hermano boliviano me diria: " Hermano Chileno gracias por lo que me enseñaste, te quiero como un hermano "y al ver como corrian lagrimas por sus mejillas, me a marcado y me a hecho entender muchas cosas y una de esas es, nada eres , solo instrumento de Dios eres para lo que el quiere de ti.-

Un gran saludo a mis amigos en Bolivia.-

DIRECTOR DE UN CORO CRISTIANO

2007-11-21T15:26:00.000-03:00

Ser Director de un Coro Cristiano, no es sólo tener conocimientos musicales, recibir un cargo, levantar las manos y moverlas insípidamente, tiene una profundidad de caracter sacerdotal y de liderazgo avalada biblicamente en el tema de la Adoracion y Alabanza, cuando uno logra traspasar y dominar su espiritu de Exibicionismo y Ego, lo mas probable que ese Director sera un canal de comunicacion entre la Dios y la Iglesia, a continuacion algunas caracteristicas de un director:

Ser Director es trabajar para la gloria de Jesucristo, no para la gloria personal. 1ª de Corintios 10:31

Dirigir es saber animar, convencer, motivar, guiar, encaminar, persuadir, gobernar, impulsar y dirigir al coro hacia la excelencia en alabanza que agrada a Dios. Salmo 66:8

Ser Director es aceptar un compromiso y entender que se le ha dado un lugar no para enseñorearse de los demás, sino para trabajar por los demás, viéndolos en todo momento como iguales pero saberse con mayor responsabilidad. Mateo 18:4

Ser Director es buscar razones para crecer como la luz de la aurora y no buscar pretextos para justificar que no se puede crecer. Juan 14:2

Ser Director es convencer con el ejemplo en lugar de levantar la voz para hacerse obedecer, en lugar de reclamar una jerarquía que no existe y en lugar de ejecutar actos teatrales lastimeros para conservar el lugar. Un director evita en todo momento la egolatría expresada por el YO. 2ª de Timoteo 2:15

Ser Director es aceptar con sinceridad que no se sabe jamás lo suficiente, que siempre habrá cosas que aprender y alguien a quien escuchar... de tal manera que se auto motive a aprender más para poder enseñar más en todos los aspectos. Proverbios 18:15

Ser Director es ganarse el aprecio de los coristas por los valores cristianos que el director practique, es ganarse la admiración y reconocimiento por el trabajo y no por el aparceramiento a la conducta impropia de un coro. La excelencia coral estará siempre por encima de la amistad de los malos coristas. Lucas 12:31

Ser Director es conocer las escrituras, la doctrina que da origen y fundamento a las alabanzas y también razones para la práctica de ella en lo que respecta al coro. Un director no es neófito en las Escrituras. 2ª de Timoteo 3:15

Ser Director es saber escuchar sugerencias, críticas y comentarios, sin tomar represalias para quien las dice y aprender de cada una de ellas transformando aun lo malo en cosas buenas. 2ª de Timoteo 3:15

Ser Director es ser espiritual, comprendiendo que lo principal en la Iglesia de Jesucristo es lo espiritual y que cualquier cosa material siempre nos vendrá por añadidura. Gálatas 5:16

Ser Director es huir de la soberbia, de la vanidad, de sentirse poderoso, famoso, invencible, único y buscar y practicar los valores cristianos que le acercan al Señor y a su Gracia, como la paciencia, la templanza, la humildad, la honradez y la sinceridad y que dan como origen un director Cristiano Espiritual. Gálatas 5:22 Proverbios 8:13

Ser Director es entender que el cristianismo se basa en el Amor entre nosotros y promoverlo entre coristas, entre coros y directores, huyendo en todo momento de la rivalidad y buscando la unidad, la paz y la armonía espiritual. Hebreos 13:1

Ser Director es levantar los ojos de la tierra, elevar el espíritu y soñar con algo grande y después de haberlo soñado llevarlo a cabo con la firme confianza de que en todas estas cosas que sirven para la salvación del alma está Cristo siempre presente en todas ellas. Marcos 11:24

Ser Director es saber comprometerse corregir lo malo y denunciar lo indebido y conservar el lugar pero no a costa del servilismo ni de políticas o conveniencias. Sabiendo que Dios no ocupa nada de eso para hacer llegar sus bendiciones a los hombres. Juan 3:31

Ser Director es entender el Coro no como un alimento a la vanidad, o como corregir lo malo y denunciar lo indebido y conservar el lugar pero no a costa del servilismo ni de políticas o conveniencias. Sabiendo que Dios no ocupa nada de eso para hacer llegar sus bendiciones a los hombres.Juan 3:31

Ser Director es entender el Coro no como un alimento a la vanidad, o como una obligación, sino como un privilegio y en ocasiones una necesidad. 1ª de Corintios 9:16

Ser Director es ser honesto para decir las cosas como son, sentir vergüenza de burlarse del que no sabe, del débil, del ingenuo o de abusar de un cargo y de privilegios que no existen. Filipenses 4:8

Ser Director es saber decir me equivoqué, y proponerse no repetir la misma equivocación. Daniel 4:27

Ser Director es comprender la necesidad de adoptar una disciplina basada en principios sanos, y sujetarse por su propia y deliberada voluntad a esa disciplina... Proverbios 15:32

Ser Director no es más que ser cristiano de verdad.Directores de esa talla y de esta alcurnia los requieren los coros de la Iglesia...Los reclama Cristo y los exige Dios...¡¡Esforcémonos a ser un Director como Dios quiere!!

2007-10-22T17:27:00.000-03:00

GIOCCHINO ROSSINI (Periodo del Romanticismo)

Gioacchino Rossini (nacido como Gioacchino Antonio Rossini en Pesaro, Italia, el 29 de febrero de 1792 y fallecido en París, Francia, el 13 de noviembre de 1868). Compositor italiano, conocido especialmente por sus óperas cómicas (en un famoso encuentro con Beethoven, éste le indicó que siguiese componiendo muchos "Barberos de Sevilla"), pero con numerosas aportaciones también en el mundo de la ópera seria (la bellísima obra "Tancredi", por ejemplo).
Todo ello le hizo asumir el "trono" de la opera italiana, del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica por encima del drama o la profundidad emocional y por encima del interés armónico.
A medida que avanzan sus composiciones, éstas van adquiriendo un mayor grado de dificultad vocal, tanto que desde mediados del siglo XIX hasta los años setenta del siglo XX, muchas de sus obras se creían imposibles de cantar, (sobre todo para la cuerda de tenor, hasta la irrupción de "superhombres" como Chris Merritt y Rockwell Blake, y otros importantes como William Matteuzzi, Ernesto Palacio, Ramón Vargas, Raúl Giménez, etc, que emulan a los grandes Giovanni Davide y Andrea Nozzari. Hoy en día destaca Juan Diego Flórez); como bajo, el más destacado cantante del siglo XX es, sin duda, Samuel Ramey. Entre las señoras, en la cuerda de mezzosoprano, la incomparable Marilyn Horne y otras muchas como Teresa Berganza, Cecilia Bartoli o Ewa Podles; entre las sopranos, han destacado Katia Ricciarelli, Lella Cuberli, Montserrat Caballé y Maria Callas (en los pocos papeles que hizo no tiene rival).
Rossini nace en Pésaro (Italia), en el seno de una familia con algunos conocimientos musicales, que afianza en el conservatorio de Bolonia. Casi accidentalmente (a petición de unos amigos), comienza a componer óperas (1810) y, dado el éxito que logra, no dejará ya de hacerlo.... hasta 1829 año en que culmina su gran ópera Guillaume Tell. Entre tanto, compone algunas de las obras más conocidas de todo el repertorio operístico. Lo que podríamos llamar la primera parte de su vida, se desarrolla en Italia, donde recorre las principales ciudades presentando sus óperas. En esta época se producen muchos de sus conocidos "pasticcios", o autoplagios que se producían porque tenía que componer numerosas obras cada año y, no estando las ciudades italianas especialmente bien comunicadas, se dedicaba a cortar y pegar trozos completos de óperas anteriores para presentarlas en el siguiente lugar de estreno. Destacan las composiciones que hizo (especialmente para el Teatro San Carlos de Nápoles) para una conocida cantante de la época, Isabel Colbran, con quien se casó y formó pareja musical durante muchos años.
Poco a poco va agotando los recursos de su composición italiana y, tras dos óperas que exijen el máximo virtuosismo y la mayor dificultad vocal (Semiramide y Zelmira), pero contienen también la máxima belleza, se desplaza por otras partes de Europa, afincándose finalmente en París (definitivamente en 1825).
Esta segunda parte de su vida será muchísimo menos prolífica en lo musical que la italiana (en Italia, entre 1810 y 1823 compuso 34 óperas; cuando, por ejemplo, Verdi, tardó más de cuatro años en componer Aida). Comienza su época francesa con alguna ópera en italiano y sobre todo con la reelaboración en francés de óperas ya estrenadas en Italia (el Sitio de Corinto es una reelaboración de Maometto Secondo, Moisés y Faraón es una reelaboracón de Moisés en Egipto, el Conde Ory es una reelaboración del Viaje a Reims). Culmina esta producción con una grandiosa (por calidad, emoción y duración de más de cuatro horas) ópera en francés: Guillermo Tell.
Curiosamente, ésta será su última ópera (cuando le quedaban varias decenas de años de vida por delante). Es este uno de los grandes temas de la iconografía operística actual. ¿Por qué dejó Rossini de componer tras Guillermo Tell? Son muchas las respuestas que se dan, desde el hastío, hasta la riqueza que ya había generado, pasando por abundantes dificultades de salud y, quizá también por el cambio que se estaba produciendo en el mundo de la ópera, con nuevas necesidades vocales, orquestales y teatrales. Quizá los motivos sean todos estos y algunos más. Sin embargo, aunque no volvió a componer otra ópera, no abandonó el mundo musical, haciéndose cargo de la dirección de varios teatros franceses y componiendo muchísimas obras breves (a menudo relacionadas con su otra gran pasión, la cocina), así como varias obras religiosas.
Rossini fallece en Francia en 1868, habiendo sobrevivido a muchos de sus "sucesores" en el trono de la ópera italiana (Vicenzo Bellini, Donizetti) y coincidiendo con la emergencia de Verdi y de Wagner; es enterrado en París inicialmente, para ser trasladados sus restos al año siguiente a Florencia.
Obras
Las óperas que compuso Rossini son:
La Cambiale di Matrimonio - 1810
L'equivoco stravagante - 1811
Demetrio e Polibio - (compuesta en 1806) 1812
L'inganno felice - 1812
Ciro in Babilonia (o La caduta di Baldassare) - 1812
La scala di seta - 1812
La pietra del paragone - 1812
L'occasione fa il ladro (o Il cambio della valigia) - 1812
Il Signor Bruschino (o Il figlio per azzardo) - 1813
Tancredi - 1813
L'italiana in Algeri - 1813
Aureliano in Palmira - 1813
Il turco in Italia - 1814
Sigismondo - 1814
Elisabetta, regina d'Inghilterra - 1815
Torvaldo e Dorliska - 1815
Almaviva (L'inutile precauzione o Il Barbiere di Siviglia (El Barbero de Sevilla)) - 1816
La gazzetta (o Il matrimonio per concorso) - 1816
Otello (o Il moro di Venezia) - 1816
La Cenerentola (La Cenicienta, o La bontà in trionfo) - 1817
La gazza ladra - 1817
Armida - 1817
Adelaide di Borgogna or Ottone, re d'Italia - 1817
Mosè in Egitto - 1818
Adina or Il califfo di Bagdad - 1818
Ricciardo e Zoraide - 1818
Ermione - 1819
Eduardo e Cristina - 1819
La donna del lago - 1819
Bianca e Falliero (o Il consiglio dei tre) - 1819
Maometto secondo - 1820
Matilde Shabran (Matilde di Shabran, o Bellezza e Cuor di Ferro) - 1821
Zelmira - 1822
Semiramide - 1823
Il viaggio a Reims (o L'albergo del giglio d'oro) - 1825
Le Siège de Corinthe - 1826
Moïse et Pharaon (o Le passage de la Mer Rouge) - 1827 (revisión de la ópera Mosè in Egitto)
Le Comte Ory - 1828
Guillaume Tell (Guillermo Tell) - 1829
Otras obras:
Il pianto d'armonia per la morte d’Orfeo
Stabat Mater
La pequeña misa solemne

2007-09-12T17:24:00.000-04:00

Algunos antecedentes basicos para generar un buen canto y a su vez un Pequeño Homenaje a un grande de la Voz Lirica Luciano Pavarotti.-

REQUISITOS BASICOS PARA UN BUEN CANTO

1.- ¿ Que se necesita para cantar ?
Boca
Lengua
Dientes
Cuerdas vocales
Nariz
Pulmones
Diafragma
Piernas, tronco, hombros, cuerpo.
Oído

Como se produce nuestra voz
Es de vital importancia comprender como opera tu órgano vocal antes de comenzar a cantar, así que esta lección introductoria se enfocara en ese aspecto:Nuestra VOZ es producida de una manera muy simple, es muy similar a como se genera un sonido en un instrumento de viento. La nota suena porque hay un flujo de airea través de un tubo, que equivaldría a nuestra "traquea", y luego se estrechacuerdas vocales".
Debido a este estrechamiento el flujo de aire produce la vibración de las cuerdas vocales, pero la emisión de la voz en si, esta determinada y responde directamente a un conjunto de órganos y músculos como ser el diafragma, los músculos del cuello y la espalda, tórax.
Las cuerdas vienen a ser una especie de "osciladores" ya que estas, ágil y rápidamente se abren y cierran durante la creación de un sonido.
Ten presente esto: Cuanto más enérgicamente las cuerdas vibran juntas más potente será el sonido, y cuanto más alta la frecuencia de apertura y cierre más alto el tono de la nota.
El sonido gana fuerza y el conducido por el aire que atraviesa esas membranas.
Se sabe que en la zona inferior de las cuerdas vocales, el aire expulsado por los pulmones alcanza una presión de 7 centímetros de agua durante una conversación convencional.
O sea que debes tener lograr un buen control sobre los músculos que intervienen en el trabajo de las cuerdas vocales y de la cantidad de aire que las atraviesa, de esta manera tendrás un control total sobre el sonido que ellas produzcan.
Un cantante puede ganar POTENCIA al fortalecer los músculos de su pecho, abdomen y espalda, esto generaría un flujo de aire más estable y poderoso, lo que se traduce en un tono mucho más consistente y una resistencia superior en los tonos sostenidos.
Respirar adecuadamente y producir un flujo de aire consistente son dos elementos pilares para la practica del canto.
Para la emisión de la voz son indispensables las cavidades de resonancia "resonadores". Estas empiezan en la región subglótica (Debajo de las cuerdas vocales), y de modo ascendente forman la parte baja de la faringe (hipo faringe), la cavidad bucal, paladar los senos paranasales, la rinofaringe son las mas importantes.
Aprender a controlar esos resonadores te darán mayor control sobre la creación de tu voz personal.
2.- Postura Corporal para el canto.
Una buna postura es fundamental para una buena producción vocal. En que consiste tener buena postura??
Bien, cuidar la postura es hacer como que la sustentación y el equilibrio de nuestro cuerpo este de acuerdo con las leyes de gravedad.
Es importante observar que los desequilibrios posturales varían de persona a persona. Algunas poseen una excelente postura, pero existen otras que manteniéndose con los hombros extremamente abiertos, el pecho empinado para el frente y la cabeza muy erguida, tensionando el cuello.
Si miramos a esas personas de lado, podemos ver que casi se caen hacia atrás, estas personas tienden a respirar con la parte alta del pulmón.
Hay otras personas que tienen el equilibrio inverso, hombros muy caidos, pecho hacia adentro, Como si se fueran a caer de frente.
Ambas posturas son incorrectas. Debemos intentar mantener el equilibrio de manera que podamos sentir el peso de nuestro cuerpo entre los 2 pies, observando enseguida un encaje perfecto de la cintura pélvica, en equilibrio con la cintura escapular (hombros) y manteniendo un ángulo de 90°.
Hombros deben estar relajados, cabeza recta en fisonomía natural sin rigidez, la boca moderadamente abierta, los labios apoyados delante de los dientes, La mandíbula no debe estar rígida. Todo el instrumento vocal debe dar la sensación de flexibilidad muscular. No debe haber ninguna contracción de los músculos vocales en el tórax, pecho, laringe, garganta y boca. La resonancia correcta y llena de la voz se producirá con la disminución y equilibrio de los esfuerzos musculares. El cuerpo debe estar derecho pero sin rigidez, con la sensación de tranquilidad. Se debe evitar el movimiento del cuerpo recogiendo apoyo en ambas piernas alternadamente. Evitar el movimiento nervioso de las manos y de los dedos, así como los gestos exagerados o muy forzados.
La actitud normal del rostro debe ser sonriente. La sonrisa, por un efecto reflejo, permite una ampliación de las cavidades de resonancia. Para eso puede ser útil hacer las vocalizaciones delante de un espejo para observar y controlar las tensiones innecesarias."
Actitud básica para el equilibrio del cuerpo:
Ø Pies: Confortablemente. El peso del cuerpo deberá estar igualmente distribuido por el bordillo externo de los pies por el metatarso.
Ø Músculos: Relajados.
Ø Cintura pélvica: Suspensa sobre el diafragma para mantener la energía del sonido.
Ø Cabeza: Recta. Bien equilibrada en la cintura escapular.
Ø Cintura escapular: Debe permanecer relajada.
Ø Línea de la cabeza: La cabeza debe mantener una línea de como se estuviera suspensa por un "hilo de cabello" en la parte del remolino, es decir, en el centro, como se fuera la continuación de las vértebras cervicales.
Después de la adopción de esta actitud básica, cuando sentimos que estamos equilibrados, experimente cambiar la alineación para hacer que el cuerpo cambie la línea de gravedad, para frente, para atrás, para el lado y circularmente.

Ejercicio: pararse apoyado en la pared, buscando el angulo de 90° y mejorando la postura.

3.- Relajación. ( 10 minutos)

Ejercicios de Relajación muscular.

1. Cuello: Giramos la cabeza lentamente hacia derecha e izquierda (como negando), hacia delante y
hacia atrás (como asintiendo) y hacia los hombros alternativamente (como dudando).
Realizamos cada giro un mınimo de 10 veces.

2. Hombros: Giramos los hombros en cırculo de forma alternativa (primero uno y luego otro) hacia
atrás y después hacia delante, con los brazos caıdos y muy lentamente. Realizaremos cada giro un
mınimo de 10 veces.

3. Cintura: Con las piernas y las caderas inmóviles (en la medida de lo posible) y derechas, giramos el tronco sobre la cintura en cırculo, primero hacia la derecha y luego hacia la izquierda. Si resulta dificultoso en un principio, se puede comenzar subdividiendo el ejercicio en cuatro partes (delante, derecha, izquierda y atrás) hasta que se domine mejor y se pueda realizar el cırculo completo. Realizaremos cada giro un mınimo de 6 veces.

4. General: presionamos todo el cuerpo por 5 segundos y soltamos bruscamente.

Ejercicios de relajación y fortalecimiento bucal.

1. “Morritos”. Con la boca cerrada, sacamos los labios un poco hacia fuera como si fuésemos a besar, y subimos y bajamos la mandıbula en esa posición.
2. “Asco-asombro”. Arrugamos toda la cara como poniendo un gesto de asco o desprecio, y la
estiramos después como en gesto de asombro.
3. “Labios fuertes”. Con los dientes juntos, apretamos los labios al máximo durante unos segundos, y
acto seguido los estiramos dejando ver los dientes.
4. “Boca de pez”. Con los labios un poco hacia fuera, abrimos y cerramos la boca dejando caer la
mandıbula, la cual debe estar lo mas relajada posible.
5. “Mandıbula”. Con la boca abierta y la mandıbula relajada (como boba), moveremos esta lentamente
hacia la derecha y luego hacia la izquierda.
6. “Mascara o sonrisa hipócrita”. Contraeremos los pómulos de manera que adoptemos un gesto mas o menos de sonrisa, y los soltamos después dejando toda la musculatura relajada.
7. “Limpieza de dientes”. Con la boca cerrada, giramos la lengua en cırculo en ambos sentidos, situándola para girar entre los labios y los dientes.
8. “Cruz”. Con la boca entreabierta, tocamos con la punta de la lengua los dientes superiores,
los inferiores, y las comisuras de los labios (como haciendo una cruz). Seguiremos siempre
el mismo orden, y la velocidad de realización dependerá del grado de destreza con que se
realice el ejercicio.
9. “Lengua fuera”. Sacamos la lengua estirándola durante unos segundos y la volvemos a meter en la boca.
10. Pronunciamos durante un rato y sin interrupciones (salvo para respirar) las sılabas “taca”, “Rio-Rio”
comenzando lentamente y aumentando la velocidad conforme se domina el ejercicio.

Realizaremos todos estos ejercicios un mınimo de 5 veces.

4.- Respiración. ( 15 minutos)
Saber administrar en flujo de aire durante una sesión de canto es una de las técnicas más importantes.
Las características dinámicas y sonoras de cada nota que producimos están directamente relacionada con esta técnica que, si utilizamos mal, puede traer deficiencias realmente notorias a la hora de cantar.

Esto significa que cuanto más aprendas a controlar el flujo de aire para producir una nota más control tendrás sobre tu voz al cantar.

Esto te producirá una gran seguridad que ayudará a que todo saldrá como lo esperas.

Recuerda que tu aparato vocal es un instrumento de viento y como tal el flujo de aire lo controla todo.
Un flujo parejo y continuo de aire producirá una nota continua y controlada ademásde agradable.

En muchos cantantes se oye una voz quebrada e inestable producto de una utilización inadecuada del flujo de aire que utilizan para producir sus notas y suelen agotar su reserva de aire en la primera oración de una canción, nada más embarazoso que eso, además de una mal manejo de los músculos que intervienen.
El motivo de esta lección es que aprendas a controlar el flujo de aire durante tu ejecución de canto.
De programar a tu cuerpo y cerebro a que respondan a ello sin siquiera tener que pensarlo, como tampoco lo haces cuando hablas, verdad? Y eso es porque tu cerebro ya sabe en que momento debe hacer la pausa para inhalar y seguir hablando... igual es en canto, solo te falta entrenar tu cuerpo y tu cerebro.
Seguramente si le pidieran que hiciera un inspiración profunda lo haría velozmente e inflando el pecho y levantando los hombros... verdad?
No mientas... si te observaste al hacerlo notarás que así fue, si no... felicitaciones!
Respirar correctamente para cantar requiere lo que en yoga se denomina respiración inferior esto significa que al tomar aire debes llenar la parte baja de tus pulmones y no la media o alta.
Tus hombros y el pecho alto deben permanecer inmóviles.

Ejercicios de Respiración: Puedes hacer estos ejercicios parado o sentado con la espalda recta.
Pon tus manos a cada lado de la cintura y comienza ahora a tomar aire llenado SOLO la zona inferior de tu abdomen, notarás como se va inflando como un globo.
La secuencia será de la siguiente manera...
· Primero inhalas largo, exhalar largo, repetir
· Segundo inhalas en 2 tiempos, (con los brazos extendidos), exhalar en 2 tiempos, repetir.
· Lo mismo, pero en 4 tiempos.
· Ahora inhala largo en 1 tiempo, al exhalar en 15 tiempos debes pronunciar la letra S"SSSSSSSSS..." trata de que el sonido sea lo más continuo y regular posible, que no tenga modulación. Repetir
· Lo mismo, pero en estacato.
·
· INHALA 4 - MANTIENES 4, - EXHALAS 4, repetir x 3.
INHALA 6 - MANTIENES 7, - EXHALAS 8, repetir x 3.
INHALA 10 - MANTIENES 10, - EXHALAS 10 (SSSSS...) repetir x 3. el ultimo en estacato

· INHALA 2, EXHALAS 8 tiempos con MMMM...
INHALA 3, EXHALAS 10 tiempos AAAA..
INHALA 4, EXHALAS 10 tiempos OOOO..
INHALA 4, EXHALAS 10 tiempos Con AA- EE- II- OO - UU. Repetir.
INHALA 4, EXHALAS 10 tiempos HHHH..

NOTA IMPORTATE: Ten presente que este tipo de ejercicios produce un ingreso de oxigeno al organismo mayor del que puedes estar acostumbrado lo cual en algunos casos puede causar mareos... no debes alarmarte en lo más mínimo pues el oxígeno es beneficioso para el cuerpo solo haz un descanso de vez en cuando si este es tu caso.

5.- Emisión Vocal. ( 5 minutos)

Ejercicios de Respiración y Lectura estrofa.
Ejercicios de Lectura y Modulación estrofa. ( dicción, corte de consonantes, etc.)
Ejercicio de Respiración y canto Estrofa.

6.- Ejercicio Coral. ( 20 minutos)

Formar el Coro, Posición coral por voces, cuidar postura corporal, posición de la carpeta
Ejercicios de Respiración y vocalizacion. ( rio-rio, mmmmm.., escala con vocales, etc)
Cantar 1 estrofa, re-estructurar la formación por sonidos de voz.
Cantar 1 estrofa aplicando todos los ejercicios anteriores.
Ejercicios con directores, matices, etc.

Recomendaciones para una correcta higiene vocal

Los especialistas lo tienen claro: los problemas de voz pueden prevenirse. Siguiendo unas normas sencillas, cualquier persona puede mantener una voz sana. En cuanto a los profesionales para los que el sonido es una herramienta más de su trabajo (docentes, cantantes, presentadores) los médicos apuntan que deberían recibir una educación sobre cómo hablar en público y cuál es la mejor forma de utilizar el aparato vocal.

Guía para cuidar la voz:
· Controle los gritos, no hable fuerte pero tampoco susurre
· Elimine el carraspeo el choque fuerte y repetido de las cuerdas vocales da lugar a su inflamación
· No respire por la boca, favorece la entrada de aire frío
· Mantenga una postura corporal correcta: espalda, hombros y caderas bien alineados son fundamentales para amplificar la voz y no forzar la garganta
· Si por su profesión tiene que hablar mucho, utilice la regla 60/10: tras 60 minutos hablando, 10 minutos de silencio
· Tome agua con frecuencia, le ayudarán a mantener las cuerdas vocales hidratadas
· No fume, el tabaco reseca la mucosa de la laringe
· Evite las cenas copiosas, éstas favorecen el reflujo del jugo gástrico hacia la laringe lo que produce irritación de la zona y provoca edema
· No abuse de alimentos ricos en grasas, favorecen la sequedad de boca
· Intente no hablar en ambientes muy ruidosos
· No tome bebidas estimulantes como la cafeína, café o té porque son irritantes. Las personas que consumen por encima de tres tazas (o botellas en el caso de las bebidas con cola) son el doble de propensas a los trastornos de voz
· El aire acondicionado y la calefacción muy alta resecan mucho el ambiente y la mucosa de la garganta
· Duerma de siete a ocho horas, el descanso nocturno mejorará su salud y favorecerá el reposo vocal
· Si tiene problemas de garganta, minimice el uso de la voz
· Busque momentos para la relajación sobre todo de los hombros, cuello, laringe y cara
· Fomente la higiene dental, cualquier Bacteria puede dañar sus Cuerdas.

CURSO MUSICA DE SAN ANTONIO

2007-08-27T17:34:00.001-04:00

Una fotos de los hermanos que participaron en el curso de San Antonio,un lindo curso eran como 30 hermanos, super unidos, participaron las iglesias de Llolleo, San Antonio, Algarrobo, Melipilla Casablanca y 3 hnos de la Iglesia Metodista Pentecostal.

Un saludo a la Hna Lidia de Alvarez , nos fue a ver y se quedo con nosotros trabajando, nos saco el jugo a todos. Dios bendiga a nuestra Hna Lidia.-

Cada curso a dejado una huella imborrable en cada uno de los profesores.-

Saludos a todos.-

UN HOMENAJE A MI IGLESIA SGTO ALDEA EN SUS 98 AÑOS (12/09/1909 - 12/09/2007)

2007-08-20T18:04:00.001-04:00

1ª Foto Conferencia del año 1918 : Mr. Hoover, Victor Pavez Toro(Sgto Aldea), Manuel Umaña(Fundador der Jotabeche).

2ª Foto Grupo de Señoritas de Sgto. Aldea año 1964, Hna Jefa Elena de Avila, Maria vallejos de Quezada,Nancy Valencia de Troncoso, Mercedes Garcia(mama del Hno Pachito), Oriana Gálvez de Medina (Mama del Hno. Enzo), en Mision a Concepción.

3ª Foto Grupo de Jovenes año 1960. Jefe Hno Daniel Garces, Reumilio Flores, Hernan Collarte, Demetrio Santander, Jose Perez Nuñez, Hernan Troncoso, Jorge Caceres y Pastor Victor Pino
(Papa de la hna Ester Pino de Silva).

BREVE RESEÑA HISTORICA DE LA IGLESIA EVANGELICA PENTECOSTAL EN SANTIAGO SARGENTO ALDEA.

La historia de la Iglesia de Sargento Aldea, debe ser una de las historias mas complejas de contar, por años se le ha llamado la “Iglesia Madre”, generando en los demas hermanos un tema de confusion , el definir que iglesia fue primera las de Santiago o Valparaíso es un tema polemico,pero sin el animo de polemizar quiero relatar la verdadera historia de Sargento Aldea, dejando en claro que la Iglesia de Valparaíso es pionera en Chile al comenzar en el año 1902 la búsqueda del Espiritu Santo pero solo hasta 1910 se constituye como una Iglesia Independiente de la Metodista Episcopal.

A continuación la Historia de Sgto Aldea:

En el año 1909 llego a la casa de Mr. Hoover ,una niña Inglesa de aproximadamente de 30 años viniendo del hospital convaleciente de una operación. Fue recibida y atendida por la esposa del pastor. Era una niña que habiéndose apartado de las enseñanzas que se le inculcaron en el orfanato metodista y con un pasado que no se puede describir la Mrs. Hoover la llevo a las reuniones y fue convertida de una manera poderosa y bautizado con el Espíritu Santo. Esta niña es la hermana Elena Laidlaw.-
En los primeros días de septiembre la hermana Elena quiso ir a Santiago para ver a una hermana carnal que se encontraba enferma y solicito una carta para visitar a los hermanos de Santiago.- Y un día 12 de septiembre de 1909 ,se presento en Santiago a entregar y contar lo que Dios estaba haciendo en Valparaíso, a las 15:30 se presento en la población Montiel ( Clase de Germania), pidió la palabra para hablar al no serle permitido hablar y dentro de una confusión , salieron al patio y ahí les manifestó lo que Dios estaba haciendo.
Producto de esa reunión se tuvieron que reunir en la casa del hno.Carlos del Campo y el Hno. Víctor Pavez Toro les exalto a la paciencia produciéndose la IGLESIA METODISTA NACIONAL.-
Paralelamente en Valparaíso producto de este gran avivamiento el pastor Hoover explico la situación a sus superiores los cuales no comprendieron ni aceptaron estas manifestaciones como obra de Dios, sino como conductas inapropiadas, que no correspondían a la imagen de su iglesia. Los pastores instruyeron al reverendo Hoover para que diera fin al tipo de reuniones que tenían en Valparaíso, específicamente a las “ manifestaciones desordenadas” de los hermanos. W. Hoover no pudo negarse a la manifestación del Espíritu santo y al comprender que no seria aceptado en su iglesia, decide renunciar a ella. El día 17 de abril de 1910 lee su carta de renuncia ante la congregación, dejando en claro que no se separaba de las enseñanzas de Wesley ni del metodismo, sino sencillamente de que el gobierno de la iglesia fuese por conciencia humana, pero no fueron pocos los que sintieron la presencia del Señor, algunos por curiosidad se acercaron a la iglesia de Valparaíso, otros por invitación de sus miembros, alguno instados directamente por el Señor y otros tantos que escucharon en las predicaciones a la calle lo que sucedía. Todos formaron un grupo no pequeño de hermanos que creyeron, aceptaron y experimentaron el avivamiento espiritual en sus vidas logrando comprender el poder del Espíritu santo de Dios.
Ese día Mr. Hoover entrega sus credenciales como pastor metodista y se retira de la iglesia junto a un grupos de hermanos entonando el himno 217 “ Tu en cuya presencia mi alma feliz “.
Los hermanos de Santiago al tener noticias de lo sucedido en Valparaíso pidieron al reverendo Hoover que los representara como iglesia, que fuera su superintendente. El pastor Hoover acepto pero pidió que el nombre de la nueva iglesia fuese similar al de aquella que dejaban, para dejar en claro que la división no obedecía a tendencias extranjeras; su nombre fue “Iglesia Metodista Nacional “ más tarde se llamaría Iglesia Metodista Pentecostal.-
En una de sus primeras reuniones, como pastor de esta nueva iglesia, sus palabras fueron las siguientes: “ La Iglesia Metodista Pentecostal se encuentra organizada en debida forma y lista para llevar adelante la gran obra de su divina cabeza: Jesús en la manera y el espíritu en que la llevo adelante Juan Wesley”. -
En ese momento en el país habían tres iglesias, en Valparaíso en la calle el Olivar dirigida por Mr. Hoover, en Santiago la primera en calle Jotabeche a cargo del hermano Faustino Contreras y la segunda Iglesia en la calle Nataniel con Santiaguillo (casa del hno Carlos Campos), dirigida por el pastor Víctor Pavez Toro.

La iglesia creció y en 1912 arrendó un local en la calle Maule, rápidamente se hizo estrecho y en 1914 la iglesia se traslado a la calle Galvez. Finalmente y para la gloria de Dios el día martes 21 de octubre de 1919 se consagro un pequeño templo en calle Sargento Aldea 982 (a la fecha ha sido ampliado 3 veces).
Los amados pastores de Sargento Aldea han sido los siguientes Pastores Presbíteros: Juan Luis Saavedra Leyton (1933-1952), José Gómez Tapia (1952-1983), Eduardo Valencia Martínez (1982-1989) , Óseas Amos Gálvez Álvarez (1990 – 2005) y a la fecha, nuestro pastor actual pastor Eliseo Caro Parraguez.

Cronología de la Iglesia de Sargento Aldea.

1909 Formacion de la Iglesia de Santiago tomando el nombre de Sargento Aldea ( Calle donde se ubica)
1912 Se arrienda local en calle Maule.
1914 Se arrienda local en calle Galvez.
1917 Se compra terreno en Sgto Aldea.
1919 Se inaugura Sgto Aldea(21 de octubre)
1920 Formacion Oficial del Grupo de Voluntarios
1922 Se abre local de San Luis
1923 Se abre local de Tocornal
1930 Formacion Grupo de Jovenes
1930 Formacion Coro de la Iglesia
1934 Formacion Cuerpo de Ciclistas
1940 Inaguracion de los locales de: La legua, ,Germania,Buzeta
1945 Formacion Grupo de Señoritas.
1949 Se inagura el local de Leon Prado.
1968 Formacion de Maestros Visualizados APEN

1982 La formacion de Coros en las clases se gestó por iniciativa de nuestro amado Superintendente.

Un saludo a todos mis hermanos de Sargento Aldea y muy orgulloso de mi iglesia y de mis hermanos.-

2007-08-07T10:07:00.000-04:00

DICCIONARIO BASICO MUSICAL.

ARIA:Es una pieza musical perteneciente a una obra, cantada por una voz. A ella puede unirse el coro, y según el número de cantantes de la formen, hablamos de dúo, trío, cuarteto... Es la esencia de la ópera clásica.
CANTATA:Es una obra de carácter religioso o profano cantada por un coro y solistas vocales, y puede estar formada por arias y recitativos si es una cantata barroca. Como ejemplo, tenemos los cientos de cantatas de Bach en este periodo.
CONTRAPUNTO:Técnica en la cual se superponen a la vez dos o más melodías totalmente independientes formando un conjunto armonioso. Su dominio es esencial para la formación de una obra.
CONCERTO:Es una forma musical barroca compuesta por tres movimientos contrapuestos, que normalmente son: Allegro, Adagio, Allegro. Puede estar escrito para un instrumento solista y orquesta, o para varios solistas.
DA CAPO:Repetición de un fragmento musical completo.
FANFARRIA:Pieza instrumental muy solemne que emplea generalmente los instrumentos de viento. Indica el anuncio de algún motivo especial, ó es para llamar la atención sobre alguna noticia. Como ejemplo, puede escuchar en midi la fanfarria de Monteverdi para su ópera "Orfeo": Midi
FUGA:La fuga es una forma musical (muy empleada en el barroco) en la que tras sonar un tema, otro instrumento lo comienza a imitar formando un contrapunto, y así sucesivamente. En la siguiente figura se muestra un ejemplo de ella. Es un fragmento del "Cum Sancto Spiritu" del Gloria de la Misa en Si menor de Bach (Bach fue el compositor que desarrolló esta técnica hasta la máxima perfección). En el pentagrama inferior los tenores comienzan a cantar solos. Tras exponer el tema, las contraltos (pentagrama superior) entran cantando exactamente lo mismo. El resto de voces, es decir, bajos y sopranos, lo hacen de una forma similar.
INTERLUDIO:Es un fragmento musical que divide dos piezas distintas dentro de una misma obra.
MATICES: VOLÚMEN Y VELOCIDAD:Las partituras tienen una serie de matices que indican la intensidad con la que deben de ser tocadas. De un volumen menor a uno mayor estos matices en cuanto a volumen son: pianissimopianomezzo pianomezzo fortefortefortissimo. Para referirse a la velocidad, las obras emplean los siguientes matices, ordenados de menor a mayor rapidez: largolarghettoadagioandanteandantino allegroallegretoprestovivace.

OBERTURA:Las oberturas son "pequeñas" obras que preceden a una obra mayor. Por ejemplo, antes de comenzar una ópera en la mayoría de los casos se abre con la obertura (antes de que se abra el telón y comiencen a cantar los intérpretes), y puede contener algunos de los temas que se vayan a utilizar durante el desarrollo posterior de la obra. Como ejemplo puedes escuchar la Obertura de la ópera de Beethoven Fidelio en este Midi.
ORATORIO:Pieza musical de carácter religioso formada por varias partes, que pueden contener arias, coros, recitativos. Se basa en la representación vocal de una serie de sucesos, nunca una representación escénica (como podría ser la ópera). Handel fue quien introdujo esta forma musical, y compuso decenas de ellos (El Mesías, por ejemplo, el más popular).
PIZZICATO:Técnica de los instrumentos de cuerda que consiste en pulsar las cuerdas en vez de frotarlas con el arco.
POLIFONÍA:Música en la que se unen varias voces distintas, puede ser vocal ó también instrumental.
RECITATIVO:Tipo de canto que se parece más al lenguaje hablado. Lo podéis encontrar mucho en las óperas, sobre todo barrocas o clásicas.
SCHERZO:Es una pieza instrumental de carácter animado, en italiano significa "Broma".
SINFONÍA:Es una gran sonata para orquesta completa. En sus comienzos la formaban tres movimientos, aunque en el siglo XVIII adoptó una forma más o menos fija dividiéndose en cuatro movimientos: Allegro, Adagio, Scherzo, Allegro, es decir, un movimiento más o menos rápido, el movimiento lento, despues el Scherzo para finalizar con un movimiento otra vez rápido. Por supuesto estas formas son sólo generalidades.
SORDINA:Pieza que se coloca en los instrumentos para disminuir la intensidad de su sonido.
SONATA:Es una pieza musical que consta de una serie de movimientos, para un instrumento solo o para varios en conjunto. En el clacisismo el esquema de la sonata era Exposición del tema, Desarrollo del mismo y una Reexposición.
SUITE:Es la formación de una obra a partir de la unión de varias obras ó danzas de distinto carácter. Como ejemplo, se puede nombrar la Suite "Los Planetas" de Gustav Holst. Es una única obra que se compone de varias partes, cada una de ellas inspirada en cada uno de los planetas: Venus, Marte...
TONALIDAD DE UNA OBRA:La tonalidad de una obra indica la escala en la que está construida. Así, cuando decimos de una obra está en DO mayor, o LA menor, es que ha sido escrita en una escala que va de DO a DO o de LA a LA, respectivamente. Esto es un poco más complicado, pero en general las piezas en modo MAYOR generalmente son más "alegres" (relativamente) que las que están escritas en modo menor. Así, el Réquiem de Mozart está escrito en RE menor, y la 9ª sinfonía de Beethoven en la misma tonalidad, ya que el comienzo es muy dramático. Pronto se produce un cambio de tonalidad a MAYOR, en el himno a la alegría, por ejemplo. (¡¡¡Recuerda que todo esto es muy general!!!)

TECNICA DE CANTO BASICO

2007-08-02T18:18:00.001-04:00

Introducción

-La música y el canto, es uno de los medios más eficaces para gravar en el corazón la verdad espiritual. La voz humana expresada a través del canto constituye uno de los talentos dados por Dios y debe expresarse para su alabanza y gloria.
Meditemos en estos pasajes:

“Te alabare, oh Jehová, con todo mi corazón; cantare todas tus maravillas, me
Alegrare y me regocijare en ti: cantare a tu nombre oh altísimo”
(Salmos 9:1-2)

“La palabra de Cristo more en abundancia en vosotros, enseñándoos y
Exhortándoos unos a otros en toda sabiduría, cantando con gracia en vuestros
Corazones al Señor con salmos e himnos y cánticos espirituales”

(Colosenses 3:16)

“Si pues, coméis o bebéis o hacéis otra cosa, hacedlo todo para la gloria de Dios”

(1 Corintios 10:31)

-Este es el principio bíblico fundamental y pensado en este principio es que toda la música que los cristianos escuchen o interpreten debe ser la mas noble y la mejor por lo que debe realizarse con calidad, entendimiento y conocimiento.

El Instrumento Vocal

-Es imprescindible que un cantante conozca la anatomía y la fisiología del instrumento vocal para que pueda llegar a dominar la técnica del canto.
Este instrumento vocal se divide en 3 grandes partes

a) EL APARATO RESPIRATORIO: Donde circula y se almacena el aire.

b) EL APARATO DE FONACION: Donde el aire se transforma en sonido al pasar entre las cuerdas vocales.

c) EL APARATO DE RESONANCIA: Donde el aire transformado en
sonido se expande adquiriendo su calidad y amplitud.

1.- Aparato Respiratorio: Comprende:
a) Las vías respiratorias superiores, conformadas
por las fosas nasales, la cavidad rinofaringeo, y
la boca.

b) Las vías respiratorias inferiores, conformadas
por la laringe, la traquea y los pulmones (especie
de masa esponjosa y esencialmente extensible
con diminutos sacos llamados alvéolos), Contenidos por
la caja toraxica compuesta por las costillas y el
diafragma.

Ejemplo: Cuando inspiramos el aire entra por la nariz y la boca, pasando por un tubo largo llamado traquea este se divide en dos bronquios, yendo uno a cada pulmón. El aire pasa a través de ellos y luego por una serie de tubos cada vez más pequeños que terminan en diminutos sacos de aire llamados alvéolos.
Al inspirar los pulmones se hinchan, las costillas se separan y la caja toraxica se dilata asegurada por los músculos intercostales y el diafragma (músculo ancho transversal que separa los órganos respiratorios de los digestivos), al entrar el aire a los pulmones el diafragma baja y al exhalar el aire el diafragma se relaja y sube y las costillas se mueven hacia adentro y hacia fuera.

b) El Aparato de Fonación:
-Este esta compuesto por la laringe y las cuerdas vocales.
la laringe se encuentra continuación de la traquea en el interior
del cuello, la laringe da lugar a la protuberancia llamada
“Manzana de Adán” y su forma es la de un embudo.

En la laringe se encuentran las cuerdas vocales que son ligamentos fijados a la laringe a lo largo del borde interno, estas se separan y se juntan al paso del aire.
La glotis es el espacio comprendido entre los bordes libres de las cuerdas vocales. La glotis se abre para la inspiración y se cierra para la fonación.

c) El Aparato de Resonancia:
-Este esta formado por los huesos de la cabeza que son: el
paladar óseo, los senos maxilares, esfenoidales y frontales, el
cávum y la faringe. Y en las notas graves los huesos del
pecho enriquecen la resonancia.
-El sonido es producido por la sola vibración de las cuerdas, este es muy tenue, por lo que debe pasar por los resonadores para adquirir brillo, amplitud y redondez. La belleza de la voz su timbre y su amplitud depende mucho mas de la calidad de los resonadores que de las cuerdas vocales mismas.
-El mecanismo de la voz es muy complejo, por la inspiración los pulmones se llenan de aire el cual se transforma en sonido. En la expiración las cuerdas vocales se tienden y se acerca suficientemente entre si para vibrar al paso del aire, este aire transformado en sonido se dirige hacia los resonadores donde adquiere su amplitud y su calidad antes de ser expulsado.

Aplicación Práctica .
- La correcta respiración es la base de la técnica vocal y esta solamente se puede lograr a través de una adecuada RELAJACIÓN.

La Relajación : Es sumamente importante y esencial para la actividad del canto ya sea individual o grupal tomar unos minutos previos y dedicarlos a la relajación , pues esto ayudará a que todo nuestro cuerpo y especialmente los aparatos que intervienen en la emisión de la voz , estén muy relajados y prestos para realizar cualquier ejercicio , ya sea el de respiración ,vocalización y el canto mismo.
A continuación algunos ejercicios de relajación : Sentados cómodamente en una silla poner la cabeza y parte superior del cuerpo en forma erguidos y descansando sobre los muslos , las frentes deben estar serenas, las mejillas y mandíbulas flojas al igual que los músculos del cuello los hombros ,brazos ,antebrazos, manos y también abdomen muslos y pantorrillas, todo debe estar muy relajado. Tomar unos minutos en esa posición respirando normalmente.
Después ponerse de pie con estos cómodamente separados y los brazos colgando a los costados realizar los siguientes ejercicios.
1) Abrir y cerrar la boca lentamente.
2) La mandíbula se desplaza horizontalmente hacia la derecha y a la izquierda y realizar movimiento rotatorio de esta.
3) Realizar lento y amplio movimiento rotatorio de hombros : adelante, arriba, atrás ,abajo ,con los brazos y antebrazos muy flojos.

La Respiración :Sabemos que en la inspiración el diafragma baja y en la espiración sube , este movimiento puede ser :
a) Instintivo , dejando escapar libremente el aire.
b) Consciente , controlando la salida del aire
En el canto debe ser siempre consciente. La técnica de espiración debe dominarse de manera que se pueda realizar lentamente de repente ,en forma total ,en forma parcial con fuerza o con suavidad , esta debe ser Costo-Diafragmática inferior , se debe evitar el levantar los hombros , hacer muecas con la cara y poner el cuello duro.

Realizar los siguientes ejercicios:

1) Inspirar silenciosamente y natural por la nariz.
2) Retener brevemente unos segundos el aire , manteniendo las costillas dilatadas y el diafragma bajo.
3) Espirar relajadamente por la boca y nariz.
4) Inspirar , retener y espirar el aire bruscamente por la boca con un soplo.
5) Controlamos ahora el aire inspirando ,ensanchando las costillas y bajando el diafragma , reteniendo lo mas posible el aire ,luego lo botamos suavemente y continuo con una “ S”.
6) Con esta técnica realizar diversos ejercicios de respiración ,inspirando y botando el aire con diferentes ritmos lentos y rápidos.
7) Luego realizar lo anterior con una “ M “.

Ejercicios de Vocalización:
Luego de realizar los ejercicios de relajacacion y resonancia realizaremos los ejercicios de vocalización y así preparar el instrumento para cantar

1) Sobre una o 2 notas dirigiendo la voz hacia delante, emitir sonidos con la letra m buscando la resonancia facial. Ej:

Emitir el sonido con diferentes vocales redondeando lo mas posible el sonido y sin olvidar los puntos anteriores.

La movilidad de la punta de la lengua y la soltura de la mandíbula son muy importantes para la realización del ejercicio

Los ejercicios se realizan subiendo y bajando gradual mente por tonos y semitonos y también se pueden hacer con diferentes intervalos y diferentes vocales.

Es muy importante también al realizar los ejercicios de vocalización aplicar la técnica de respiración y articular adecuadamente los ejercicios aplicando fraseo y dinámicas, nunca se deben hacer los ejercicios de vocalización en forma mecánica.

Entendemos como ARTICULACION, la buena pronunciación y dicción de las palabras más aun si es en otro idioma.

Entendemos como fraseo y dinámica la aplicación de los distintos matices, estos pueden ser: forte, fortísimo, piano, planísimo, mezoforte, mezopiano, etc, que nos ayudaran a expresar de mejor manera lo que estamos cantando.

ALELUYA DE HANDEL

2007-07-31T10:14:00.000-04:00

Handel Messiah -"Hallelujah"
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UN GRAN GENIO MUSICAL

2007-07-24T15:56:00.000-04:00

Ludwig van Beethoven (Bonn, 16 de diciembre de 1770 - † Viena, 26 de marzo de 1827), compositor alemán de música académica (o música clásica). Uno de los más grandes y admirados de todos los tiempos. Se le considera como el principal precursor de la transición del clasicismo al romanticismo. Su producción incluye los géneros pianístico (32 sonatas), de cámara (16 cuartetos de cuerda, 7 tríos, 10 sonatas para violín y piano), vocal (lieder y una ópera: Fidelio) y orquestal (5 conciertos para piano y orquesta, uno para violìn y orquesta, oberturas...) Parte única de su repertorio lo constituye el genial ciclo de las Nueve Sinfonías, entre ellas: Tercera Sinfonía, también llamada Heroica, en mi bemol mayor, Quinta Sinfonía en do menor, y la Novena Sinfonía, en re menor, cuya música del cuarto movimiento, basado en la Oda a la Alegría de Friedrich von Schiller, ha sido elegida como Himno de la Unión Europea (UE).

VIDA
Primeros años de vida (1770-1787)

Ludwig fue bautizado el 17 de diciembre de 1770 en la ciudad alemana de Bonn, a orillas del Rin, en el seno de una familia humilde de origen flamenco y de fe católica. Su abuelo Ludwig, de Malinas (Mechelen, hoy Bélgica), se estableció en Bonn hacia 1733 y llegó a ser maestro de capilla del príncipe elector. Sus padres, Johann van Beethoven y María Magdalena Keverich, tuvieron siete hijos, de los cuales sólo tres sobrevivieron.
El joven Ludwig demostró un innegable talento; por lo cual su padre, hombre con ansias empresariales y muy dado a la bebida, le obligó a estudiar música desconsideradamente, encerrándolo durante muchas horas y maltratándolo cuando no cumplía con las tareas agobiadoras que le señalaba. Johann quería mostrar a todo el mundo que Beethoven era un niño prodigio como Wolfgang Amadeus Mozart, por lo que además de obligarlo al estudio musical, mintió sobre su edad, dejándolo con dos años menos, para que se demostrara su prodigiosidad.
Sus avances en el dominio del piano le llevan a dar su primer concierto a los 8 años. El embajador austríaco Waldstein, noble acaudalado y poderoso, ve en él una promesa y lo apadrina, dándole trabajo como organista suplente. Esta labor le exige dedicación total: el joven Ludwig pasa entonces toda su infancia y adolescencia consagrado a la música, sin juegos ni amigos, “tutelado y en un ambiente familiar nefasto, factores todos ellos que influirían en su carácter rebelde y romántico”.
A los 11 años Beethoven era violinista de una pequeña orquesta de teatro y a los 13 sustituyó a su maestro en el órgano de la iglesia.
El primer viaje a Viena (1787-1792) [editar]
Beethoven encuentra una vía de escape de la presión familiar en 1787 cuando, con 17 años de edad, marcha a la capital austriaca apoyado por su mecenas, quien sufraga los gastos que demanda el viaje y, lo más importante, le convence de sus posibilidades de éxito. Parece que durante este viaje a Viena, la capital europea de la Música, tuvo lugar un fugaz encuentro con Mozart. Sus ilusiones sufren un duro golpe cuando a las pocas semanas fallece su madre. Entonces se ve obligado a regresar a Bonn. En esta ciudad Beethoven encuentra un cuadro desolador: su padre se halla detenido por su alcoholismo y es incapaz de cuidar a sus hermanos menores. El joven Ludwig asume la responsabilidad y se ve obligado a mantener a sus hermano y a él tocando el violín con una orquesta y dando clases de piano durante cinco años mientras que su padre seguia apresado.

De aprendiz a maestro (1792-1802)

En 1792 el elector de Bonn vuelve a financiar un viaje a Viena, ciudad en la que permanecerá el resto de su vida componiendo, tratando de alcanzar un reconocimiento social a su persona por medio del arte y sufriendo un mal particularmente terrible para él: la sordera. Eran años en que las potencias monárquicas europeas se habían aliado para derrotar a la joven Francia revolucionaria. En una deslumbrante campaña en el norte de Italia, en la que el ejército austríaco es vencido, adquiere notoriedad Napoleón Bonaparte, que se va convirtiendo en un ídolo entre los sectores progresistas. En Viena recibe clases del célebre compositor Haydn(autor de 104 sinfonías) y de Salieri, operista italiano.
Durante este período tuvo varios duelos musicales con otros pianistas. El primero fue en 1792 durante un viaje con la orquesta de la corte, en éste tocó con Franz Sterkel, ejecutando obras de dicho compositor. En 1800, ocurre el famoso duelo (en el palacio de Lobkowitz) donde Daniel Steibelt lo reta a que tocasen juntos. En dicha ocasión Beethoven tomó partituras de una obra de éste modificándolas (al mismo tiempo que las iba tocando) con tanta gracia, que Steibelt declaró que no volvería a Viena mientras Beethoven viviera allí y abandonó la ciudad, radicándose en Paris.
Con 25 años de edad da a conocer sus primeras obras importantes: tres tríos para piano (Opus 1) y tres sonatas para piano, entre éstas, la op. 13, “Patética”, y la op. 27 Nº 2, “Claro de Luna”; además de lo anterior, ofrece su primer concierto público como compositor profesional. Viena acoge su música, en especial la corte, la nobleza y la iglesia. Por esa época se desliga de Haydn, con el que no concuerda musicalmente pero a quien, a pesar de esto, dedica los tres tríos. Secuencialmente recibe clases secretas de Schenk y del organista de la corte Albrechtsberger; deja de escribir para la nobleza y para la iglesia y se establece como compositor independiente. Su música inicial, fresca y ligera, cambia para convertirse en épica y turbulenta, muy acorde con los tiempos revolucionarios que vivía Europa.

Éxito y sufrimiento (1802-1824)

Beethoven hacia 1804, en la época de la Sonata Appassionata y de Fidelio. Decidido a « agarrar el destino por el cuello », compuso en el periode de 1802 a 1812 una serie de obras brillantes y enérgicas características de su estilo « heroico ».
Muy pronto Beethoven dejó de necesitar de los conciertos y recitales de los salones de la corte para sobrevivir. Los editores se disputaban sus obras; además, la aristocracia austriaca, quizás avergonzada por la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart en la pobreza, le asignó una pensión anual. Mientras, por un lado, había resuelto sus necesidades económicas, por otro lado vivía asustado por la pérdida de sus capacidades auditivas; debido a ello se entregó a una febril actividad creadora, a la par de sus penalidades personales producidas por dos desengaños amorosos.
Beethoven no llegó a casarse nunca. Se le atribuyen varios romances, sobre todo entre damas de la nobleza. Quizá el gran amor de su vida fue Antoine von Birkenstock, casada con Franz Brentano. A los 26 años empezó a notar los síntomas de una sordera que más adelante sería total. A pesar de ello siguió componiendo, y las últimas obras fueron terminadas cuando ya se había quedado completamente sordo. Cuando Viena se enteró de su mal, el compositor recibió un golpe en su orgullo y en su situación financiera: los aristócratas no confiarían sus hijas a un sujeto huraño, con fama de seductor y, además, sordo. En todo caso, fue consolidando un círculo íntimo de amigos y admiradores.
La tragedia de su prematura sordera le causó un enorme desánimo (“qué gran humillación experimentaba cuando alguien estaba a mi lado oyendo desde lejos la flauta mientras yo, por el contrario, no podía oír nada… tales situaciones me llevaron al borde de la desesperación y faltó muy poco para que acabara con mi vida. Sólo la fuerza del arte me retuvo") agravado por la muerte de su hermano y su decisión de acoger a su sobrino en contra de la voluntad de su cuñada. En los años comprendidos entre 1810 y 1820 dedicó gran parte de sus energías y su tiempo a la batalla legal para ganar la custodia de su sobrino Karl; al vencer en los tribunales, se dedicó a su formación musical con falsas esperanzas. En esta época su ritmo de composición menguó considerablemente.
En 1813 compuso su obra orquestal La Victoria de Wellington en homenaje a la victoria sobre los ejércitos napoleónicos en Vitoria. Después de 1815, Bonaparte es definitivamente derrotado y el canciller austríaco Metternich instaura un régimen policíaco para impedir rebrotes revolucionarios. Beethoven fue una voz crítica del régimen. En esta época su nombre era muy respetado en el Imperio y en Europa Occidental, sobre todo en Inglaterra. Pero el ascenso de Rossini y la ópera italiana lo colocó en segundo plano.

Últimos años en Viena (1824-1827)

Beethoven pasó los últimos años de su vida casi totalmente aislado por la sordera, relacionándose solamente con algunos de sus amigos a través de los "cuadernos de conversación", que le sirvieron como medio de comunicación. Su último gran éxito fue la Novena Sinfonía, ejecutada en 1824. En los tres años finales se dedicó a componer cuartetos de cuerda y la grandiosa Missa Solemnis.
La salud del maestro decayó inexorablemente durante su estancia en Gneixendorf, a pesar de los cuidados de su familia. Su hermano Nikolaus recordaba: "Al almuerzo comía únicamente huevos pasados por agua, pero después bebía más vino, y así a menudo padecía diarrea, de modo que se le agrandó cada vez más el vientre, y durante mucho tiempo lo llevó vendado". Tenía edemas en los pies y se quejaba continuamente de sed, dolores de vientre y pérdida de apetito.
El 1 de diciembre de 1826 Beethoven y Karl parten para Viena. La premura de la decisión determinó que carecieran de un transporte adecuado y solamente pueden conseguir un viejo carromato descubierto. El viaje resulta terrorífico para una persona en el estado en que se encontraba: Beethoven lleva ropa de verano y se ve obligado a pasar la noche en una taberna de su mejor amigo de la aldea donde la habitación no tenía calefacción ni persianas que lo protegieran del frío. Hacia la medianoche sufre un escalofrío febril y comienza una tos seca acompañada de sed intensa y fuertes dolores en los costados. Al maestro no se le ocurre nada mejor que beber grandes cantidades de agua helada que casi acaban con su vida. Sin embargo, logra recuperarse de su crisis gracias a la atención del doctor Wawruch y llegar a la capital.
El 20 de diciembre se le extrajeron fluidos abdominales. Karl permaneció durante todo el mes a su lado hasta su incorporación en enero a su regimiento. El joven se había reconciliado totalmente con su tío tras el lamentable episodio del suicidio: "Mi querido padre: Vivo satisfecho y sólo me pesa verme separado de ti".
Cuando se difundió en Viena el estado terminal de Beethoven, todos sus antiguos amigos que aún vivían acudieron a su domicilio de la Schwarzspanierhaus para expresarle sus deseos de una pronta recuperación, aunque en realidad su propósito era despedirse del envejecido genio.
A pesar de los cuidados de su médico y el cariño de sus amigos, la salud del maestro empeora. El 20 de marzo escribe: "Estoy seguro de que me iré muy pronto". Y el 23, entre los estertores del moribundo, su amigo Schiller ("Oda a la alegría") exclama: "Aplaudid amigos, comoedia finita est ("La comedia ha terminado"). Esa misma tarde tomó la pluma para designar a su sobrino Karl legatario de todos sus bienes.
Al día siguiente, 24 de marzo, Beethoven recibe la extremaunción y la comunión según el rito católico. Cabe señalar que las creencias personales de Beethoven fueron muy poco ortodoxas y estuvieron más cercanas al panteísmo. Esa misma tarde entra en coma para no volver a despertar hasta dos días más tarde. Nikolaus Johann, su cuñada y su admirador incondicional Hüttenbrenner no se separan del lecho en los próximos dos días. Hüttenbrenner relata los últimos momentos del genio: "Permaneció tumbado, sin conocimiento, desde las 3 de la tarde hasta las 5 pasadas. De repente hubo un relámpago, acompañado de un violento trueno, y la habitación del moribundo quedó iluminada por una luz cegadora. Tras ese repentino fenómeno, Beethoven abrió los ojos, levantó la mano derecha, con el puño cerrado, y una expresión amenazadora, como si tratara de decir: " ¡Potencias hostiles, os desafío!" Cuando dejó caer de nuevo la mano sobre la cama, los ojos estaban ya cerrados..."
Asistieron al entierro más de 20.000 personas, entre las que se encontraba Schubert, gran admirador suyo. En su escritorio de trabajo se encontró el Testamento de Heiligenstadt, redactado en 1802, en donde explica a sus hermanos el porqué de su profunda amargura. También se encontró una desgarradora carta de amor dirigida a su “amada inmortal” a la que llama “mi ángel, mi todo, mi yo”. La identidad de esta dama sigue generando discusiones hasta el día de hoy, aunque la mayoría de las tesis apuntan a la propia Antoine.
Recientemente se ha desatado cierta controversia sobre las causas de la muerte. El análisis de un mechón de su cabello dio como resultado la existencia de altas concentraciones de plomo. Aparentemente Beethoven ingería agua contaminada con plomo, que se extraía de un arroyo campestre creyendo que tenía propiedades curativas.

Obra

Sonata para piano Op. 109
En su prolífica trayectoria musical, Beethoven dejó para la posteridad un importante legado: nueve sinfonías, una ópera, dos misas, tres cantatas, treinta y dos sonatas para piano, cinco conciertos para piano, un concierto para violín, un triple concierto para violín, violonchelo, piano y orquesta, dieciséis cuartetos de cuerda, una gran fuga para cuarteto de cuerdas, diez sonatas para violín y piano, cinco sonatas para violonchelo y piano e innumerables oberturas, obras de cámara, series de variaciones, arreglos de canciones populares y bagatelas para piano.

SINFONIAS

Beethoven había cumplido los 30 años de edad cuando presentó su Primera Sinfonía (Op. 21), fascinando a sus contemporáneos por su frescura y originalidad. Mucho se ha hablado de su original inicio, pues la obra arranca con un acorde distinto a la tonalidad principal de do mayor. En todo caso, ésta era una de las rúbricas del viejo Haydn. En 1803 da a conocer la Segunda Sinfonía en re mayor (Op. 36), cuya alegría contrasta con la tristeza que vivía el autor. La influencia haydniana se deja sentir en estas composiciones de juventud.
Dos años más tarde, Beethoven rompe todos los moldes clásicos con su Tercera Sinfonía en mi bemol mayor (Op. 55). Esta sinfonía contiene una de las anécdotas más interesantes de su vida: admirador de Napoleón, el músico de Bonn le consideraba un liberador de los privilegios de las coronas europeas, por lo que fue bautizada originalmente "Bonaparte". Sin embargo, al enterarse de la coronación de Napoleón como Emperador, Beethoven tachó el encabezado y lo cambió por el nombre definitivo: Heroica: en recuerdo de un gran hombre. Esta sinfonía dura dos veces más que cualquier otra de la época, la orquesta es más grande y los sonidos son claramente anunciadores del Romanticismo. La obra se compone de un primer movimiento (Allegro con brío) de una duración aproximada de 20 minutos: hasta esa fecha no se había compuesto un movimiento sinfónico tan extenso. Del II movimiento, una "Marcha fúnebre" (Adagio assai), se ha dicho que al enterarse de la muerte de Napoleón, Beethoven comentó "Yo ya escribí música para este triste hecho". El III movimiento es un agitado Scherzo (Allegro vivace), en el que se recrea una escena de caza; destaca el uso de las trompas. El "Finale" (Allegro molto") evoca una escena de danza y es apoteósico, con una gran exigenca de virtuosismo para la orquesta.
La siguiente sinfonía es muy diferente... La Cuarta Sinfonía en si bemol mayor (Op. 60), 1806 recupera la frescura de sus dos primeras composiciones sinfónicas. En el IV movimiento se muestra una de las características del genio de Bonn: el virtuosismo que demanda de los intérpretes. El Finale de la Cuarta es muy exigente para el fagot. Esta sinfonía ha sido, según algunos críticos, injustamente relegada al lado de sus excepcionales antecesora y sucesora: La grácil criatura griega en medio de dos gigantes germánicos.
En 1808, Ludwig Van compone la colosal Quinta Sinfonía (Op. 67). Esta sinfonía en Do menor destaca principalmente por la construcción de los cuatro movimientos basados en cuatro notas (tres corcheas y una negra), las cuales abren la obra y retornan una y otra vez dando a la sinfonía una extraordinaria unidad. Para el músico significaban "la llamada del destino". El II movimiento es un hermoso tema con variaciones. El III movimiento, Scherzo, comienza misteriosamente y prosigue salvajemente en los metales con una forma derivada de la "llamada del destino"; un pasaje tejido por los pizzicati de las cuerdas se encadena sin pausa con el triunfal IV movimiento, Allegro. La Coda es memorable. Los románticos admiraron mucho esta obra y las tres corcheas con una negra del inicio (¿quién no las ha escuchado?) son quizá la firma más personal de Beethoven.
Simultáneamente compuso la Sexta Sinfonía en fa mayor, conocida como Pastoral (Op. 68). Es difícil imaginar dos obras tan distintas: toda la fuerza y violencia de la Quinta se convierten en dulzura y lirismo en la Sexta, cuyos movimientos evocan escenas campestres. Es el mayor tributo dado por Beethoven a una de sus grandes fuentes de inspiración: la Naturaleza. Es también su única sinfonía en 5 movimientos (todos con subtítulos: Escena junto al arroyo, Animada reunión de campesinos, Himno de los Pastores, etc.), tres de ellos encadenados (es decir, que Beethoven elimina las habituales pausas entre segmentos sinfónicos). Como nota curiosa señalemos que Walt Disney ilustró esta obra en uno de los números de su película Fantasía. Para los puristas fue un sacrilegio añadir imágenes a la música beethoveniana.
La Séptima Sinfonía en La mayor (Op. 92) aparece en 1813; el sordo maestro se empecinó en dirigirla en su estreno, con tragicómicos resultados. Pero la crítica reconoció una nueva genialidad de Beethoven; aún hoy hay expertos que la consideran como la mejor de sus sinfonías. Richard Wagner, otro ferviente beethoveniano, calificaría a la Séptima como la “apoteosis de la danza” por su implacable ritmo dancístico y notable lirismo, particularmente hondo en su célebre segundo movimiento. Es una obra de gran potencia. Al año siguiente, 1814, Beethoven concluye la Octava Sinfonía en Fa mayor (Op. 93), cuya brevedad (poco más de 20 minutos) no eclipsa la compleja elaboración que a esta altura había dejado patente. Es su sinfonía más alegre y desenfadada. Alguno la ha llamado: "la Octava de Beethoven... y la última de Haydn". La Octava parece un grato adiós al mundo clásico, definitivamente superado por él. El genio dejará pasar diez años para cerrar su ciclo sinfónico con ua obra maestra total...
En 1824, por último, Beethoven se consagra con su Novena Sinfonía “Coral” (Op. 125). Su orquestación y duración es superior a la de la Heroica. Fue la primera sinfonía en incorporar la voz humana en un deslumbrante final para orquesta, 4 solistas y coro mixto que cantan en alemán los versos de Friedrich von Schiller: Alegría hermosa chispa divina,/ hija del Eliseo,/ ebrios de entusiasmo entramos,/ ¡oh diosa! a tu santuario... Esta obra, mundialmente famosa y objeto de un sinfín de arreglos y versiones, ha sido declarada recientemente Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO. El último movimiento de esta sinfonía fue adoptado en 1972 por el Consejo de Europa como su himno y en 1985 fue adoptado por los jefes de Estado y de Gobierno europeos como himno oficial de la Unión Europea.

OBERTURAS

Las 10 oberturas de Beethoven son piezas cortas que, posteriormente, serían ampliadas y trabajadas para su incorporación en obras mayores. En el fondo es música compuesta para musicalizar ballets (Las criaturas de Prometeo) y obras de teatro: Coriolano de Shakespeare, Egmont de Goethe, etc. Se trata de composiciones cerradas y uniformes que expresan emociones e ideas llenas de heroísmo. El tema de la libertad está muy presente en este apartado de la producción del músico de Bonn. Por ejemplo, la obertura “Coriolano” (Op. 62) ilustra musicalmente el drama homónimo de Shakespeare basado en el héroe que tiene que escoger entre la libertad de conciencia y su lealtad a las leyes romanas;, “Leonora Nº 3” (Op. 72a), por su parte, es la mejor de las cuatro oberturas escritas para la ópera “Fidelio”. De idéntica valía son “Las Criaturas de Prometeo” (Op. 43) y “Egmont” (Op. 84), siendo esta última un buen ejemplo de la típica composición “beethoveniana”, que se puede definir como “música vigorosa que empieza de forma fragmentaria, cobra un componente épico a medida que avanza y finaliza en apoteosis”.

CONCIERTOS

Cada concierto de Beethoven es distinto, y en ello radica gran parte de su encanto y atractivo para los intérpretes y público. Beethoven desarrolla una escritura pianística de gran virtuosismo (recordemos que él mismo fue un gran virtuoso en su juventud). Quizá el más famoso sea el Concierto para piano no. 5 “Emperador”, de 1809, en donde el virtuosismo y el sinfonismo se combinan a la perfección. Es una composición épica ("sinfonía con piano" la han llamado algunos) que tiene un originalísimo arranque y soberbias cadencias. El origen del sobrenombre del Concierto Nº 5 (Emperador) se debe a que durante una de sus interpretaciones más tempranas, un soldado francés que se encontraba en el público, maravillado por el virtuosismo del concierto, se habría levantado gritando "es el emperador", en alusión a Napoleón.
El Primer y Segundo Conciertos para piano destacan por su concepción alegre, mientras que el Concierto para piano Nº 3, de 1801, de tono serio, es de una amplitud y calidad incomparables. Por su parte, el Concierto para piano Nº 4, de 1808, apuesta por la profundidad lírica. En cuanto a los conciertos en los que participan más instrumentos, hay que señalar el Concierto para violín y el Triple Concierto para violín, violonchelo, piano y orquesta, en donde Beethoven sustituye el sinfonismo por un entretenimiento muy del gusto de la época, dado a resonancias algo exóticas: Rondó alla polacca es su rítmico tercer movimiento.
El único Concierto para violín (que cuenta además con una versión para piano) fue en su tiempo una obra controvertida que atrajo poca atención en su estreno, con el violinista Franz Clement en la parte solista. Fue solo en 1850, de la mano del violinista Joseph Joachim, amigo de Brahms, que el Concierto alcanzó notoriedad. La explicación de esta demora en imponerse es lo complejo de su interpretación, que hizo que pocos violinistas se atreviesen a tocarlo por años, argumentando que la participación del violín a la par con la orquesta les restaba protagonismo, lo que se unía a la fuerte exigencia de Beethoven. Hoy por hoy es una de las obras cumbre del repertorio violinístico, consideradas como los hitos que señalan la madurez que requiere un violinista para hacer carrera internacional. Dentro de esta categoría de obras para violín y orquesta deben incluirse además dos breves Romanzas para violín y orquesta.

SONATAS PARA PIANO

Sus 32 sonatas conforman el ciclo más extenso, complejo y difícil de la historia del pianismo universal. En ellas se manifiesta la personalidad revolucionaria y de transición de Beethoven, y el compositor se sitúa como el más destacado de la forma Sonata del periodo comprendido entre Clasicismo y Romanticismo. Fiel a la forma sonata, el gran maestro se permite más de una innovación: sonata de dos, cuatro o cinco movimientos, temas con variaciones, fugas, Scherzos, etc.
Estas sonatas presentan nuevas sonoridades, audaces experimentos, queda encerrado el mundo interior del compositor y también el recién llegado lenguaje expresivo de la revolución romántica. En la temprana Patética, en la tempestuosa Appassionata, en la brusca y laberíntica Hammerklavier, en las definitivas sonatas op. 110 y 111, se va llegando a las fronteras de la exposición pianística, que serán alcanzadas en el op.120. Beethoven fue uno de los compositores que más exigió a los constructores de piano a mejorar la sonoridad y resistencia de los pianofortes decimonónicos.
El inadecuado entrenamiento que tuvo Beethoven en sus primeros años de estudios musicales, se refleja en las tres sonatas para piano escritas en 1783. El piano súbito, los repentinos arranques, las figuras de arpegios (ejecutadas a altas velocidades en varias octavas de forma ascendente o descendente) conocidas como los "cohetes de Mannheim", son características de la personalidad musical y sentimental de Beethoven. Él es el primero en usar el acorde de novena sin preparar, y que se puede observar en el primer movimiento de su sonata op. 27 N° 2 "Claro de Luna", dedicada a otro de los grandes amores de su vida, la Condesa Giulietta Guicciardi).
Las sonatas para piano de Beethoven transportaron la música a un nuevo orden. En las del op. 2, se advierte un aliento y un dominio estructural que rompían con la elegancia dieciochesca. Después de 1800, Beethoven empezó a desarrollar el género con proyecciones románticas. La Sonata op. 22, en Si bemol mayor, es la última sonata del primer período de composición, la cual Beethoven declaró como su sonata preferida. La op. 26 en La bemol (la primera que compuso desde el comienzo del nuevo siglo), se abre con un tema lento con variaciones, sigue con un scherzo temerario y vertiginoso, una marcha fúnebre "a la muerte de un héroe" y concluye en un final que es un torbellino. A ésta le siguieron las dos sonatas Quasi una fantasía op. 27 (a la segunda se le suele llamar Claro de Luna) que formalmente son cualquier cosa, menos convencionales. Los siguientes hitos de su composición pianística coincidieron con la gran crisis que le produjo el agravamiento de su sordera. La brillante Waldstein (el apellido del conde dedicatorio, más conocida por Aurora en los países hispanófonos) y la arrolladora Appasionata fueron de concepción tan revolucionaria, que hasta el propio Beethoven se abstuvo de escribir para piano solo, durante algunos años. Pero la cima de su pianismo son las cuatro últimas de las treinta y dos sonatas, desde la Hammerklavier, hasta la op. 111 en Do menor, la tonalidad de la que se valía para su música "Sturm und Drang", como por ejemplo, su Quinta Sinfonía. Las sonatas exigían un virtuosismo pianístico sin precedentes hasta entonces y eran prácticamente intocables en la época. Liszt fue quien demostró que era "tocable".
En la categoría de obras para piano, el maestro compuso composiciones cortas a las que llamó bagatelas. La más famosa es la denominada Para Elisa que, pese a su corta duración, es una de las más conocidas no sólo dentro de la obra de Beethoven, sino de la música en general.

ÓPERA Y MUSICA VOCAL

El genio de Beethoven se centró sobre todo en la música orquestal, compaginándola con la música de cámara y para piano. También intentó desarrollar obras vocales, aunque con suerte muy diversa. Por ejemplo, su única ópera escrita, “Fidelio”, revisada desde 1805 hasta 1814, fue un fracaso el día de su estreno. El genial músico tuvo que esperar hasta la primavera de 1814 (23 de mayo) para ser aclamado entusiásticamente por un público enfervorizado. La nueva versión representaba para el público más que la recreación de los principios del Iluminismo, como fue su primer objetivo en 1805, la celebración de las victorias sobre Napoleón y como una alegoría de la liberación de Europa. Fue entonces cuando, ruborizado ante tales muestras de apoyo y cariño del público, escribió en su libro de conversaciones: "Es evidente que uno compone más bellamente cuando lo hace para el gran público." Se trataba, sin duda, del mismo compositor que había escrito nueve años atrás tras el desastre de su primer Fidelio: "No compongo para la galería, que se vayan todos al infierno."
Lo cierto es que Beethoven no mostraría particular interés en escribir óperas. Un proyecto largamente conversado con Goethe para transformar en ópera el Fausto no llegaría jamás a concretarse por razones desconocidas hasta hoy. Sin embargo, algunos autores, basados principalmente en anotaciones del propio Beethoven, han descrito algunas de sus sinfonías como "óperas encubiertas"; tal carácter ha sido asignado tanto a la "Sexta Sinfonía" como a la "Tercera Sinfonía".
La celebrada Missa solemnis, escrita en 1818, su segunda obra para la iglesia católica, es un canto de fe a Dios y a la naturaleza del hombre. Es una de sus obras más famosas, compuesta por encargo de su alumno, el archiduque Rodolfo, nombrado en esa época arzobispo de Olomouc.
La Missa solemnis provocó no pocos problemas a Beethoven. La obra fue estrenada parcialmente junto con la Novena sinfonía. La versión definitiva sólo sería conocida por completo después de su muerte.
Otras obras corales de Beethoven son la Fantasía para piano, coro y orquesta (Op. 80), la Misa en Do mayor (Op. 86), así como numerosos lieder, arias, coros y cánones, un ciclo de melodías, una cantata y el oratorio Cristo en el monte de los Olivos, en 1803.

CUARTETO DE CUERDAS

Hablar del ciclo de los 16 cuartetos de cuerda beethovenianos, es hablar posiblemente del ciclo camerístico más trascendente de la historia musical. Hay algunos críticos musicales que incluso opinan que este género desarrollado por Beethoven es más representativo que el de las sonatas para piano y el de las sinfonías. Ciertamente, Beethoven murió componiendo cuartetos... (eterno perfeccionista, los seguía revisando en el lecho de muerte).
En los cuartetos hallamos una vez más el desarrollo de Beethoven a través de sus "tres estilos": los primeros cuartetos, fieles a Haydn, el segundo período dominado por los llamados "Cuartetos Rusos", compuestos por encargo del aristócrata Razumovski; pero los más significativos son los seis finales, compuestos entre 1824 y 1827, es decir, correspondientes a la última etapa, la algunas veces llamada "esotérica". La importancia del género en Beethoven rebasa los límites del Romanticismo, al grado de que sus últimas obras son una genial anticipación estilística y técnica que habrá de influir en Dmitri Shostakovich, Bela Bartók y en la escuela dodecafónica austríaca de inicios del siglo XX; los cuartetos nos muestran al Beethoven más profundo y original. Es obligado un estudio a fondo de dicho ciclo para comprender al Beethoven más revolucionario.

Cuarteto primer período

El op. 18 constituye el primer esfuerzo importante de Beethoven en este complejo género musical y engloba 6 obras dedicadas a su maestro Joseph Haydn: Aunque evidentemente aquí encontramos todavía evidencias de los trabajos anteriores de Mozart y Haydn, ya hay un deseo de mostrar la originalidad que se verá plasmada en sus trabajos posteriores, como el movimiento final del cuarteto no. 6 en Si bemol Mayor, “La malinconia”, el cual es una introducción lenta que casi rebasa los limites tonales para luego dar paso al rondo concluyente.
Cuartetos del período intermedio
En el periodo medio, ya contemplamos a un Beethoven maduro, plenamente consciente de su poderío como creador y artista, así como en plena lucha contra la sordera.
La primera parte de este período medio se constituye con el poderoso opus 59 "Razumovski", constituido por tres cuartetos. Varios críticos musicales han tratado de ver un ciclo en este grupo de piezas dedicadas al conde Razumovski, el cual le proporcionó a Beethoven acceso a diversas melodías rusas como motivo de inspiración, aunque esto no condujo a una influencia definitiva. Hay varios motivos para creer que el punto de vista cíclico es cercano a la realidad, tomando en cuenta que el primer movimiento del primer cuarteto es una especie de síntesis de la forma sonata y que justamente el último del tercero es una compleja fuga, la cual tiene bastantes elementos de herencia con respecto al movimiento final de la Sinfonía Júpiter, aunque el desarrollo estilístico del cuarteto se hallan a años luz más adelante de dicha sinfonía mozartiana.

ALGUNOS COMENTARIOS

El prototipo del artista romántico, libre y rebelde hasta el fin.
Beethoven corregía muchas veces sus obras, incluso después de ser estrenadas. Su perfeccionismo era casi obsesivo.
Seguía los esquemas propios de la época, pero adaptándolos a su personalidad. Este camino le llevó a un sendero que ningún otro músico había recorrido.
Su influencia en la música: de Schubert a Berlioz, de Mendelssohn hasta Mahler y aún hoy... sigue vigente.
A Brahms le complacía que le llamen "La Tercera B alemana". Las dos primeras eran, por supuesto, Bach y Beethoven.
"El Partenón. La Capilla Sixtina. Las tragedias de Shakespeare. Y las Nueve Sinfonías de Beethoven".
Alguien ha escrito: "¿puede haber acaso un nombre tan musical como Beethoven?
"Este sordo escuchaba al infinito" (Víctor Hugo).
"Hizo estallar una carga tan profunda de pensamiento y pasión que el mundo vibra todavía con la explosión" (Schlauffer).

TEORIA MUSICAL I

2007-07-13T14:49:00.000-04:00

LA MUSICA Y SUS ELEMENTOS

La música se ha definido como el arte y la ciencia de combinar los sonidos. Es el arte de combinar los sonidos de la voz humana o de los instrumentos o de unos y otros a la vez de suerte que produzca deleite al escucharlos, conmoviendo la sensibilidad. Los elementos fundamentales de la música son: la melodía, la armonía y el ritmo.

La Melodía

Se entiende por melodía una sucesión de sonidos en el tiempo, de diferente altura, que animados por el ritmo, expresan una idea musical.
Según esta definición, se pueden confeccionar distintos tipos de melodías hasta el infinito, por lo que es el producto más espontáneo de la composición y a la vez el que requiere el mayor grado de abstracción.
Si se selecciona un determinado número de melodías musicales, se observará, desde un punto de vista formal, que existe una característica universal a todas ellas: se trata del equilibrio. Por ejemplo, una línea melódica comienza ascendiendo, más tarde se estabiliza y posteriormente desciende definitivamente (también puede suceder a la inversa). Este es el equilibrio al que se aludía anteriormente cuando se trataba de conocer qué valores hacían la melodía más atractiva.

La armonía

La armonía es la mezcla de sonidos de forma sincrónica o simultánea. El elemento fundamental de la armonía es el acorde o sonido simultáneo de dos notas que se complementan. Por ejemplo, el tañido de dos cuerdas de una guitarra sincrónicamente.
Por lo general, los acordes se confeccionan partiendo de una nota de tono bajo sobre la que se superpone otra nota (pueden ser tres, cinco o más). El acorde que aparece en mayor número de ocasiones es la triada, compuesta de tres sonidos sincrónicos.
Si la melodía se considera como el elemento musical de estructura horizontal, la armonía es el elemento vertical.

El ritmo

Por ritmo se entiende la sucesión regular de sonidos. Es un orden periódico, se puede percibir. Para el hombre es, quizá, uno de los componentes musicales más difíciles de concebir. En líneas generales el ritmo es la división del tiempo mediante pulsos y acentos.

EL SONIDO Y SUS CUALIDADES

El sonido es el resultado de las vibraciones de un cuerpo sonoro o un conjunto de vibraciones llamadas ondas sonoras que se mueven en forma ascendente y descendente a través del aire y que pueden ser percibidas por el oído. Todo sonido es producido por un objeto o cuerpo que vibra; estas vibraciones u ondas sonoras, para poder llegar a nuestros oídos necesitan de un medio por el cual transmitirse, el cual puede ser sólido, líquido o gaseoso.
El Ruido es un conjunto de vibraciones irregulares (distinta frecuencia) producidas a un mismo tiempo que producen normalmente una sensación desagradable al oído.
El sonido posee cuatro parámetros o cualidades: Altura, Duración, Intensidad, Timbre.
Altura es la que nos permite distinguir si un sonido es grave (bajo) o agudo (alto).
La Duración corresponde al tiempo que transcurre desde que empieza el sonido hasta que acaba.
La Intensidad se relaciona con la mayor o menor fuerza de un sonido, es decir mas fuerte o mas suave..
El Timbre es la diferencia de calidad que nos permite distinguir sonidos producidos por diferentes instrumentos o voces.

SE DIO INICIO AL CURSO DE SGTO ALDEA

2007-07-11T09:50:00.000-04:00

Es un motivo de alegría poder manifestar que el día 07 de Julio comenzamos nuestro taller de música con la asistencia de 55 hermanos y hermanas de varias iglesias: La Cisterna, La Pintana, Lo Barnechea y los locales de: San Francisco, Sierra bella, San Joaquín, Tocornal, La Legua, La Mussa, Germania, San Nicolas, Departamental, Magallanes, La Victoria, Buzeta, Los Cerrillos, Los Nogales, Javiera Salas, Martinez de Rozas, Moneda y León Prado.

Fue un hermoso comienzo, aunque al principio, algunos estaban muy tímidos, pero creo que con el correr de las clases nos iremos soltando.

Se nos vienen varias actividades el 21/07/2007 tendremos nuestra vigilia del curso con la visita de los Cuartetos Santiago Gospel, Mensajeros de Luz y Cuarteto C.C.l.C, ante lo cual, solo me queda decir: "BIENVENIDOS AL CURSO DE MUSICA DE SARGENTO ALDEA".

Eliecer Collarte García.

EL RAPTO

2007-07-04T17:22:00.000-04:00

¿Qué es el Arrebatamiento de la iglesia?

La palabra “arrebatamiento” no se encuentra en la Biblia. Sin embargo, el concepto del Arrebatamiento, es claramente enseñado en la Escritura. El Arrebatamiento de la iglesia es el evento en el cual Dios saca a los creyentes de la tierra para dar paso a Su justo juicio que será derramado sobre la tierra durante el período de la Tribulación. El Arrebatamiento es descrito primeramente en 1 Tesalonicenses 4:13-18 y 1 Corintios 15:50-54. 1 Tesalonicenses 4:13-18 describe el Arrebatamiento como el acto en el cual Dios resucita a todos los creyentes que han muerto, dándoles cuerpos glorificados, y después partiendo de la tierra con aquellos creyentes que estén aún vivos, a quienes también les serán dados cuerpos glorificados. “Porque el Señor mismo con voz de mando, con voz de arcángel, y con trompeta de Dios, descenderá del cielo; y los muertos en Cristo resucitarán primero. Luego nosotros los que vivimos, los que hayamos quedado, seremos arrebatados conjuntamente con ellos en las nubes para recibir al Señor en el aire, y así estaremos siempre con el Señor.” (1 Tesalonicenses 4:16-17).

En 1 Corintios 15:50-54 se enfoca en la naturaleza instantánea del Arrebatamiento y en los cuerpos glorificados que recibiremos. “He aquí, os digo un misterio: No todos dormiremos; pero todos seremos transformados, en un momento, en un abrir y cerrar de ojos, a la final trompeta; porque se tocará la trompeta, y los muertos serán resucitados incorruptibles, y nosotros seremos transformados.” (1 Corintios 15:51-52). El Arrebatamiento es el glorioso evento que todos debemos esperar con anhelo. Entonces, finalmente estaremos libres de pecado, y estaremos para siempre en la presencia de Dios. Existe mucho debate sobre el significado y alcance del Arrebatamiento. Esta no es la intención de Dios. Más bien, Dios quiere que al considerar el Arrebatamiento “nos animemos unos a otros con estas palabras.”

Quiero saludar a todos mis hermanos del curso darles una cordial bienvenida a este taller de musica y quiero hacerlo recordándoles el mayor evento esperado por la Iglesia.
Quiero pensar que todos anhelamos ese dia y ver a tantos amigos, hermanos, familia y muy en especial a nuestros seres queridos que hoy no están.

Quiero hacer un Reconocimiento a varias personas que han marcado mi existencia y que hoy no están.

Como no recordar a mi Amado Pastor Presbitero Jose Gomez Tapia, aunque era muy niño tengo latente el recuerdo de El y esas navidades en la cual me hacían pasar a su oficina y él me entregaba mi regalo de navidad; como extraño su buen sentido del humor.
El Hno Jose Rebolledo Ciclista, de muy bajo perfil pero que lindas enseñanzas dejó a todos.

A mi Madre la Hna. Mercedes Garcia Rodríguez, la llegué a conocer después que se fué por medio de los testimonios de los hermanos. Cuan lejos estoy de llegar a ser como ella.-

Los quiero instar a prepararnos y no olvidemos lo mas importante:

"JESUS VIENE POR NOSOTROS"

¿CANTARE CON ENTENDIMIENTO ?

2007-06-28T11:23:00.000-04:00

RICHARD WAGNER ( 1813 - 1883)

“…Cantare con el espíritu, pero cantare también con entendimiento “1ª Corintios 14:15.-

El referirme a Richard Wagner me genera sentimientos encontrados, debido a que debe ser unos de los grandes exponentes del periodo del Romanticismo junto a Verdi, en lo que se refiere a Opera, como no recordar La Marcha Nupcial o su mayor obra que es El Anillo del Nibelungos, dedicò mas de 25 años en esta obra que consiste en 4 Operas, un prologo y tres jornadas. Esso lo hace unos de los autores más respetados hasta el día de hoy en lo Musical.
Digo que me genera una controversia interna debido a su antisemitismo y junto con esto ,no se le atribuye ningún vinculo con el cristianismo, no existe alguna obra que yo conozca(a lo mejor existe e ignoro) en el ámbito Sacro. Lo cual me da pensar su inclinación hacia un ateismo no declarado, pero si se le reconoce que era muy respetuoso del Cristianismo.
Para nosotros que hacemos música, que cantamos a un ser Divino como es Dios, nos produce una situación extraña.
Digo esto ya que sus trabajos fueron tomados ya desde el imperio alemán (Segundo Reich) y particularmente en el tiempo de Hitler por las unilaterales corrientes políticas nacionalistas. Por sus sones épicos su antisemitismo se manifiesta en su ensayo Das Judenthum in der Musik (El judaísmo en la música) publicado anónimo en su momento (1850) y más adelante bajo su nombre. En él, Wagner deplora la judaización del arte moderno y sostiene la tesis según la cual "el judío" es realmente incapaz de expresarse artísticamente no por su apariencia exterior ni por su lengua, pero por lo menos sí por su canto, no obstante "aquél" llegue en la música al dominio del gusto público.
Para el pueblo cristiano la nación judía es y será el Pueblo escogido de Dios.
Quiero que lean con detención lo que a continuación expongo:

Tannhäuser (ópera)
Tannhäuser es una ópera en tres actos, con música y texto de Richard Wagner, basada en las dos leyendas alemanas de Tannhäuser y el concurso de canto de Wartburg. Los temas principales de la ópera son la lucha entre el amor sagrado y profano, y la redención a través del amor (un tema que a su vez dominó gran parte de la obra de madurez de Wagner).
Wagner dirigió el estreno en Dresde en 1845. Su sobrina, Johanna Wagner, interpretó el papel de Elizabeth. Existen dos versiones de la ópera, la segunda, la versión de París, es la que se suele interpretar con más frecuencia.
Argumento
Tannhauser es un caballero que encuentra el camino a la montaña de Venus siendo mortal. Sin embargo se encuentra cansado del placer por lo que se determina a abandonar a la diosa para encontrar la curación. Venus por su parte intenta mantener a su caballero con ella pero no lo consigue a pesar de decirle que los hombres nunca le perdonarán por amar a una diosa pagana. En cuanto Tannhauser renuncia a Venus, aparece en un valle de Turingia y se reconcilia con los caballeros a los que abandonó. Al hablar con ellos se entera de que hay una competición de canto a la que quiere ir para ganar el corazón de Elizabeth, la sobrina del conde. En el segundo acto se encuentran Tannhauser y Elizabeth de nuevo. En una conversación entre el conde y Elizabeth se descubre su unión. Mientras tanto Tannhuaser reconoce que ha estado con Venus y eso en su tiempo era blasfemia pero gracias a Elizabeth consigue viajar hasta Roma para redimirse. En el tercer acto Elizabeth se muestra dispuesta a morir para la redención de Tannhauser. Éste, mientras está en Roma, no consigue la redención, por lo cual decide pasar sus últimos días con Venus. Al final de la ópera Tannhauser muere creyendo que Elizabeth le ha redimido de manera que el mundo de Venus desaparece totalmente.

Obviamente esta obra no tiene nada de Sacro, desde el canto gregoriano hasta el periodo del Clasicismo hay una gran dedicación en los grandes genios musicales de crear Motetes, Oratorios y música inspiradas en Textos Bíblicos, pero en el Periodo del Romanticismo ya se empieza a ver que los Grandes compositores sus obras hablan de lo cotidiano e inclusive empiezan a crear música en base a leyendas, que es lo que se conoce como la música profana.-

Existe un canto o un movimiento musical que se denomina “ EL CORO DE LOS PEREGRINOS” atribuido a R. Wagner, con una letra espectacular muy inspirada en la ADORACION y EXALTACION a lo divino, pero la musicalizacion corresponde a la OVERTURA de esta opera llamada TANNHAUSER.
Quiero dejar a criterio de los lectores de este blog el análisis y el meditar sobre todo lo escrito. No se desconoce la Genialidad de Wagner en ningún momento, pero si me genera una situación personal el cantar algo que fue escrito por un Músico no simpatizante con el Judaísmo y luego una música profana que la inspiración del músico no era la Adoración a DIOS.
Pablo a los Corintios exhorta y demanda que en el tema de la Adoración sera con el espíritu, quiere decir no con el ESPIRIRU SANTO, sino con mi espíritu osea YO y a eso agregar el ENTENDER Y ANALIZAR lo que estoy diciendo.

Nosotros como Directores, coristas y Músicos es importante saber que estoy cantando e interpretando.-

Un saludos a mis amigos del Blog. Este es solo mi pensamiento muy personal.-

EL DIRECTOR IDONEO

2007-06-25T17:17:00.001-04:00

Maestro Director Herber Von Karajan

EL DIRECTOR IDONEO

“Así mismo David y los oficiales del ejercito apartaron para el ministerio a los hijos de Asaf y de Heman, y de Jedutum, los cuales profetizasen con arpas, liras y címbalos y el numero de ellos fue, de hombres idóneos para la obra de su ministerio respectivo.” 1° Crónicas Cáp.25 vers.1

Las Sagradas Escrituras nos habla de hombres y mujeres dedicados al Ministerio de la Alabanza, la traducción del año 1909 nos menciona de hombres idóneos esto se interpreta apartados para la dirección de la alabanza, cada director debe tener una unción especial de parte de Dios, en el esta la responsabilidad Musical y espiritual de la alabanza.
En el libro de 1° crónicas Cáp.25 vers.7 nos da características que debe tener un Director de Coro. Dice: “ Instruidos en el canto, todos los aptos, En la versión de la Biblia de las Americas apto se interpreta como hábil y en la Biblia de Jerusalén se traduce como Maestro dando a entender la importancia de las características que este debe poseer.
El Hermano o Hermana encargada de dirigir el coro en la iglesia tiene una función sumamente importante en la obra del Señor. La manera en que él o ella lleven a cabo su responsabilidad influye mucho en la forma y calidad de la adoración que sostenga el Coro en la iglesia. Hay ciertos elementos de carácter personal que son imprescindible para el director del grupo coral que a continuación se detallan:

-Es un líder tanto por naturaleza por su preparación. Debe ser amistoso, tiene un profundo amor hacia los hermanos y la obra del Señor, es alegre.Jamás se dirigirá al coro de mala manera, sino siempre tendrá una actitud de mucho respeto y cuidado en el trato con los hermanos . Su responsabilidad y lealtad con el Siervo de la Iglesia es constante, es un hermano útil en la obra, participa el director no dado a reacciones temperamentales, cuando el coro no tiene una buena presentación. Su manera de vestirse es siempre apropiada y de acuerdo a la altura que tiene como Director de Coro. Anuncia los himnos de una manera cordial con voz agradable y firme dejando tiempo para que sean encontrados los cantos anunciados. El director idóneo refleja una actitud amistosa hacia el coro, y la congregación, como parte de su carácter. Es genuino, no fingido, amable, sencillo, humilde frente al éxito y reconocimiento de parte la Iglesia.
-Debe tener un testimonio claro de su Salvación, participar activamente de todos los servicios de reunión, ser una ayuda para el Pastor de su iglesia y no motivo de tristeza y vergüenza. Debe velar por cada uno de sus integrantes como aconseja el Apóstol Pablo a Timoteo diciendo: “Ninguno tenga en poco tu juventud, pero se ejemplo de los fieles en palabra, en conversación, en caridad, en espíritu, en fe, en limpieza.” 1° Timoteo Cáp. 4 vers. 11.-

Con respecto a su preparación musical, el director idóneo debe tener un a preparación la menos básica en lo musical ,el deseo de seguir desarrollando sus talentos musicales. Debe tener dominio sobre las armaduras, las claves, la notación y cómo llenar bien los patrones rítmicos del compás que es lo básico para estar frente a un grupo coral.

El director idóneo dirige el coro con claridad, indicando los comienzos (ataques) y terminaciones de frases (cortes) con precisión. Sabe cómo emplear buen gusto en cuanto a los movimientos de las manos. Cuida el mensaje de lo que canta y oportuno en los servicios de reunión con himnos de apoyo y complemento para el predicador.

El hecho de marcar el tiempo con la mano es una costumbre antigua. En la música antigua se marcaba el tiempo definido golpeando una caña hueca con un palo. En el antiguo teatro griego, el deber de los "choregus" consistía en mantener el ritmo golpeando ligeramente el piso del tablado. Durante la Edad Media la costumbre era señalar el tiempo golpeando ligeramente el piso con el bastón. Un poco más tarde, en la orquesta, el violinista marcaba el tiempo golpeando su instrumento con el arco. En la época de Bach y de Haendel, la música era dirigida desde el clavicordio u órgano.

Un estudio cuidadoso revela que la historia de la dirección ha pasado por tres etapas: "el golpeador del tiempo", " el ensayador" y "el maestro". El director idóneo tiene que asumir estos tres papeles.

Hay cinco requisitos que el director idóneo debe esforzarse por desarrollar. Estos son:

1. Marcar el tiempo de tal manera que dé confianza a los que cantan.
2. Tener buen oído para distinguir los tonos.
3. Conocer bien las características de las voces.
4. Ser gobernado y dirigido por el Espíritu Santo.
5. Debe ser apasionado en la dirección y alabanza a Dios.

Hay diez cosas que el director idóneo debe evitar cuando está frente al coro:

1.- Dirigir con movimientos no claros.
2.- Demostrar enojo.
3.- Hablar demasiado.
4.- Ser insolente.
5.- Ser sarcástico.
6.- Engañarse a sí mismo.
7.- Regañar al coro frente a la congregación.
8.- Ser egoísta.
9.- Cantar mal la melodía
10. Actuar sin tacto o tino.

El director se debe a Dios y a la Iglesia, nunca debe olvidar que su compromiso es con la hermandad, y sus himnos de preferencia deben ser de nuestro himnario, Alabanzas e Himnos Corales de carácter espiritual.
.
Hermano Director tu que tienes la responsabilidad déjate guiar por el Señor y veras bendecido tu ministerio Musical.-

Dios bendiga a todos nuestro directores a través de nuestra misión y Dios les siga capacitando en este Ministerio de la Alabanza. “Para Alabanza de la gloria de su gracia, con la cual nos hizo aceptos en el Amado”. Efesios Cáp. 1 vers.6.-

Quiero concluir estas líneas con las palabras de mi amado y recordado Superintendente José Silva Araya (Q.E.P.D.) “Que Dios haga vivas estas palabras a todos mis hermanos como lo han sido a mi corazón, son las oraciones del que esto escribe”. revista fuego de Pentecostés Agosto de 1977.-
Al Señor es la Honra y la Gloria por Siempre. Amen.-

ELIECER COLLARTE GARCIA
Hermano Coordinador – Talleres de Música

FELIX MENDELSSOHN

2007-06-22T09:43:00.000-04:00

FELIX MENDELSSOHN (1809-1847)

Felix Mendelssohn-Bartholdy vio la luz en Hamburgo el 3 de febrero de 1809. Su padre, Abraham Mendelssohn, era un banquero bien conocido en esa ciudad. Felix era el segundo de cuatro niños; Fanny, la mayor, Felix, Paul y Rebecca. su madre Leah -mujer de mente muy brillante- era una pianista con profundos conocimientos de la literatura alemana que enseñó los rudimentos musicales a su hijo. Su verdadero nombre era Jakob Ludwig Felix Mendelssohn-Bartholdy, nieto del famoso filósofo judío Moses Mendelssohn. Felix adoptó su segundo apellido, Bartholdy, cuando la familia recibió una herencia de un hermano de su madre con este apellido.
Aunque la familia Mendelssohn era de origen judío, pronto se convierten a la fe cristiana, bajo el protestantismo, dice la tradición que profesaba la fe Luterana.
Compuso más de una decena de Sinfonías, siendo una de las mas conocidas e importante de su carrera la 5ª Sinfonía en re menor La Reforma Op.107, fue compuesta en 1830 para los festejos del Tercer Centenario de la Reforma Luterana pero fue estrenada dos años después en Berlín (1832), bajo la batuta del compositor;
La desaparición física de su hermana preferida, Fanny, le afectó mucho; una vez que es avisado de su fallecimiento cae en una profunda tristeza y manifiesta: "se termina un gran capítulo, y ni el título ni el inicio del siguiente se ha escrito”. Dos meses después, estando en Leipzig, sufre un ataque apopléjico quedando inconsciente para nunca restablecerse; el 4 de noviembre de 1847 muere. Parecía como si un abatimiento general hubiera caído en la ciudad entera. Grandes carteles, anunciando su muerte, fueron fijados sobre las paredes y un entierro imponente ocurrió en el séptimo día de noviembre en la iglesia de Saint Paul. El féretro rojo fue llevado por sus amigos, Robert Schumann, David, Hauptmann, Rietz y Moscheles.Felix Mendelssohn Debe ser uno de los mas grandes exponentes del Romanticismo.

ORATORIO "CRISTO EN EL MONTE DE LOS OLIVOS"

2007-06-21T13:46:00.001-04:00

Oratorio, “Cristo en el Monte de los Olivos”

Ludwig Van Beethoven(1770-1827)

Beethoven escribió solamente un oratorio, “Christus Oelberge” (“Cristo en el montaje de aceitunas”). Fue comenzado en 1800 y acabado durante el año siguiente. El texto está por Huber, y fue escrito, con la ayuda de Beethoven, en catorce días. El primer funcionamiento del trabajo es ocurrió enteramente en Viena, el 5 de abril de 1803, en el teatro un der Wien.El oratorio se escribe para tres voces a solas, Jesús, Peter, y un Seraph, y un estribillo y una orquesta. La narrativa se abre con la agonía en el jardín, seguido por el cantar de un Seraph que recita la calidad divina y que preve la salvación del righteous. En la escena siguiente Jesús aprende su sino del Seraph, se rinde a la muerte que se acerca, y te da la bienvenida. Los soldados entran en búsqueda, y un tumulto sobreviene mientras que los apostles se encuentran rodeados. Peter dibuja su espada y da doblado a su indigation; pero es rebuked ambos por Jesús y Seraph, y juntos lo conjuran para ser silenciosos y para aguantar lo que puede suceder. Los soldados, descubriendo a Jesús, acometen sobre él y lo atan. Los discípulos expresan su aprehensión que sufran también; pero Jesús uncomplainingly se entrega, y un estribillo de rejoicing termina el trabajo.La cuenta se abre con una introducción del adagio para los instrumentos que esté de un carácter muy dramático. El primer número es un recitative y un aria para el tenor, cantado por Jesús (“toda mi alma dentro de mí los estremecimientos”), y es simple y de tacto en la expresión. ¡El Seraph sigue con una escena y un aria (“elogiar la calidad del Redeemer”), concluyendo con un obligato jubiloso con el estribillo (“triunfo de O, todo el ye Ransomed! ”). El número siguiente es un duet elaborado entre Jesús y el Seraph (“en mí entonces juicio pesado de Thy”). En un paso recitative corto, Jesús da la bienvenida a muerte; y entonces sobreviene uno de los números más de gran alcance del trabajo, el estribillo de los soldados en el tiempo del marzo (“aquí lo encontraremos seguramente”), entremezclado con los gritos de la gente que exige su muerte, y los lamentations de los Apostles. En la conclusión del tumulto un diálogo sobreviene entre Jesús y Peter (“no unchastised esta venda audaz”), que conduce a un trío betwen Jesús, Peter, y el Seraph, con el estribillo (“O, los hijos de hombres, con Gladness”). El número de cierre, un estribillo de los ángeles (“Hallelujah, hijo todopoderoso del dios”), se introduce con una sinfonía corta pero masiva que conduce a una explosión jubilosa del “Hallelujah,” que finalmente se resuelve en una fuga gloriosa. En toda la música sagrada es difícil encontrar un número coral que pueda sobrepasarlo en majestad o energía.

CURSO DE MUSICA SAN FERNANDO

2007-06-21T12:16:00.000-04:00

Agradecemos al amado Pastor Luis Bastidas Leal, esposa e Hijo el Hno Pablo Bastidas, por el cariño y las buenas atenciones que tuvieron en este curso de música en San Fernando.
participaron hermanos de Chimbarongo, Santa Cruz, Curico, Peumo, las Cabras, Paine y un hermano llamado Felipe Reyes de 14 años de Valdivia, este niño hoy a los 16 años es el director de la iglesia en Domeyko, teniendo 15 años fue el coro de su iglesia a visitar la carcel y el hermano Director no llego y el Pastor le dijo:" Ya Felipito diriga el coro" , desde ese día hasta hoy Felipe es el Director del coro de esa Iglesia. Dios bendiga a mis hermanos del curso de San Fernando.Participo también nuestro amado pastor Dagoberto Arriagada junto a su amada esposa la Hna Margarita Reyes (Q.E.P.D,), ella ya estaba un poco afectada de salud, pero fueron momentos maravillosos juntos a nuestros hermanos.
DIOS BENDIGA A LOS HERMANOS DE SAN FERNANDO.

REMEMBRANZAS

2007-06-21T09:25:00.000-04:00

Me es muy grato en este momento recordar y reconocer el trabajo desinteresado de nuestros ,hermanos del Cuarteto Santiago Gospel. La historia de la unión de los cursos de música con este cuarteto nace en los años 1981 - 1984 , en donde el Hno. Eliecer Collarte, Coordinador de este curso fue compañero del Hno. Everaldo hermosilla y Juan Salazar Leal( Fundador del cuarteto Bethel, integrantes de en los años 90 de Arautos du Rei, hoy compositor y productor), ene le Colegio Adventista, sin saber que al pasar el tiempo se reunirían para juntos trabajar en la viña del Señor y a esto agregar que al comenzar este trabajo en el año 2004 en el curso de música en la iglesia de Llay LLay , uno de los integrantes de este cuarteto era nuestro querido hermano Abdias Rodriguez.

Hasta el día de hoy siguen trabajando con nosotros, han estado en los cursos de Llay Llay, Puente Alto, San Carlos, Chillan Viejo, Canela, San Javier, San Antonio. Dios les bendiga su trabajo desinteresado por la obra del Señor, y los tendremos con nosotros también en el Curso en Sargento Aldea.
En la primera foto, encontramos al joven Everaldo Hermosilla, el segundo a mano izquierda es Juan Salazar Leal, y el ultimo de mano derecha es Eliecer Collarte. El conjunto de llamaba CLASS (Conjunto Adventista Santiago Sur) y su repertorio era del Conjunto Americano, Heritage Singers y el Director era Juan Salazar.

GRACIAS HERMANOS DE SANTIAGO GOSPEL.-

MUSICA ROCK SATANICA

2007-06-19T18:05:00.001-04:00

Foto del grupo The Beatles, Cancion Submarino Amarillo

Todas las cosas me son lícitas, más no todas convienen; todas las cosas me son lícitas, más yo no me dejaré dominar de ninguna” (1ª Cor 6:12).

El auge de la música de nuestros tiempos contemporáneos es verdaderamente llamativo. Millones de personas en todo el mundo pasan horas escuchando, deleitándose o simplemente entreteniéndose con la música . La música ha sido siempre parte de las cultura y de la identificación de un pueblo o nación. Aún las culturas mas antiguas y remotas se desarrollaban este talento o arte. En esta decisión de Enfoque he querido hacer un análisis acerca de la influencia y el mensaje de la música contemporánea en el individuo. Seguramente no podre contestar todas las interrogantes pero sí deseo que tu. puedas tener una mayor información acerca de este tema, y de este modo tomar las decisiones correctas para bendecir tu vida y familia.
Antes de todo es importante que comprendamos que queremos analizar la música contemporánea, su mensaje y contenido de acuerdo a la palabra de Dios.
¿CUÁL DEBE SER LA POSTURA DEL CREYENTE?
La decisión de lo que escuchamos es personal y particular. Al igual que cualquier tarea o actividad que el ser humano desarrolle, éste podrá ser de bendición o ayuda para su persona y para su familia o será de maldición, de destrucción o contienda. Nos corresponde a cada uno de nosotros determinar si lo que vemos, escuchamos o hacemos trae bendición o maldición a nuestra vida.
La Biblia nos aclara: “Conoceréis la verdad y la verdad os hará libres”.
A continuación quiero transcribir parte del material que se ha editado en un video aquí en nuestro pais denominado: “Carretera al infierno, la seducción de los adolescentes”.
En agosto de 1988 la cadena norteamericana MTV revolucionó el mercado mundial con los denominados video Clips. La industria de la música ha llegado a mover millones de dólares en todo el mundo, de hecho es una industria multimillonaria. Según estadísticas realizadas en Estados Unidos, un joven llega a escuchar de 4 a 6 horas de música por día. Esto significa que este joven antes de alcanzar la edad media escucha alrededor de 11.000 horas de música.
El filósofo griego Platón dijo:
“Cuando la música cambia, las leyes fundamentales cambian con ella”.
Aristóteles decía: “La música tiene el poder de formar el carácter”.
Millones de personas de todo el mundo pasan horas cada día escuchando música. Pero, ¿cuál es el mensaje que reciben?, ¿qué están escuchando realmente?.
Angus Young del famoso grupo ACDC dijo: “Yo nunca pensaba donde me llevaría el rock; alguien me guía , soy poseído cuando estoy tocando”.
La mayoría de las revistas de rock y heavy metal presentan una inocultable relación con cuestiones satánicas. Muchas hacen una apología del demonio. Algunos de los simpatizantes de estos grupos musicales y lectores de este tipo de materiales suelen hacer pintadas, (Graffitis) identificándose sus grupos preferidos. La mayoría de estos Graffitis están relacionados con lo satánico, lo transgresor, lo sexual, etc. Evidentemente esto nos habla de lo que la persona ha recibido en su vida. La pregunta es: ¿de dónde salen estas cosas?.
Vladimir Lenin dijo en cierta ocasión: “Una forma rápida de destruir a la sociedad es por su música”.
¿CUÁL ES EL ESPÍRITU Y EL MENSAJE QUE NOS ESTÁ TRANSMITIENDO?
La música es el lenguaje del corazón y tiene el poder de coordinar el lenguaje (es decir el mensaje que desea expresar), los sonidos y los movimientos del cuerpo. La mayoría de las personas ignoran, no saben, o no ha tomado seriamente la influencia que la música tiene en la vida del ser humano. La falta de conocimiento o ignorancia es una de las estrategias que usa el enemigo. La Biblia declara: “Mi pueblo parece por falta de conocimiento”.
Quizás en este mismo momento millones de cristianos viven en derrota, maldiciones, ataduras del enemigo que le rodean e ignoran la causa de las mismas. Deberíamos preguntarnos: ¿Qué estamos escuchando?.
En ocasiones parece inofensivo sin embargo la Biblia nos advierte que debemos estar en alerta. “Y no es maravilla, porque el mismos Satanás se disfraza de ángel de luz” (2da. Corintios 11:14).
A veces se disfraza en algo bonito, hermoso y atractivo. Pero su objeto es robar, matar y destruir.
Muchos han tomado este tema a la ligera, pero el espíritu y en contenido de la música se transmite. Hay poderes mas allá de la industria de la música. Observemos algunos de los frutos básicos que percibe en gran parte de la música rock y de la música satánica: agresión, violencia, rebelión, permisividad sexual, todo tipo de resistencia a la autoridad, embotamiento en la conciencia , destrucción de la personalidad, etc.
Estos efectos no solo se producen en los seguidores, oyentes y fans de los diferentes grupos, sino que también los propios integrantes de estos grupos de música son alcanzados y también sufren las consecuencias. Muchos artistas han aprendido y visto los efectos de una vida lejos de Dios dando rienda suelta a sus deseos. Desde asfixiarse en su propio vómito, muertes prematuras, suicidios, muertes por sobredosis o alcohol, etc. Esta es la destrucción que hallan muchos de aquellos que no han tenido en cuenta en sus vidas lo que Dios dice, pero en cambio han seguido las insinuaciones y sugerencias del enemigo.
Lamentablemente la lista de muertes trágicas es larga:
Brian Jones, del grupo Los Rolling Stones, muere ahogado en su propia piscina.
Marc Bolan, famoso guitarrista atribuía sus éxitos a la magia negra, pierde su vida en un misteriosos accidente automovilístico.
Bon Scolt del grupo ACDC, cantante del tema “Carretera del infierno”, muere ahogado en su propio vómito después de terminar de grabar este tema.
Jhon Bonhom del famoso grupo LethZeppelin muere en su propio vómito después de tomar mas de 40 copas de vodka.
Elvis Presley (El Rey del Rock) quien en su niñez y temprana juventud fuera cristiano pero luego seducido y atrapado por los placeres y la música, muere como resultado del exceso de comidas y abuso de drogas.
Keith Moon termina con su vida suicidándose.
Jonis Joplin, la reina del rock, muere por una sobredosis de heroína.
Sid Vicius, del grupo The Sex Pistol, muere por una sobredosis de heroína después de haber apuñalado hasta la muerte a su novia.
El famoso Jimi Hendrix, muere ahogado en su propio vómito después de haber tomado alcohol y consumir tabletas de dormir.
Jin Morrison, del grupo The Door es encontrado muerto en la tina de su baño por exceso y uso de drogas y alcohol.
Kurt Cobain, líder y vocalista del grupo Nirvana, termina con su vida suicidándose de un tiro en la cabeza.
La lista es larga y cada día son mas los que se añaden a ella. No sólo los vocalistas e integrantes de numerosos grupos son afectados por la violencia y la muerte, sino que se han convertido en una epidemia de violencia en los conciertos. Algunos grupos musicales de diversos géneros abiertamente confiesan y practican el ocultismo.
Algunos hasta han hecho pactos, para obtener provecho, popularidad, dinero, etc.
Hubo varios casos en los Estados Unidos que conmovieron a la opinión pública.
Los sacrificios y asesinatos humanos practicados. Este es el caso de Thomas Sullyvan, un adolescente, quien tomó un cuchillo y con el mató a su propia madre.
Nadie de la edad de Tomy haría semejante barbarie sino tuviere una fuerte influencia. Aún su propia familia reconocía esto. La respuesta a estas preguntas se halló en su cuarto.
Tony se había involucrado en un grupo ocultista y su grupo favorito era Mother Crugg. Algunos piensan que el verdadero sentido de la vida está en hacer lo que te da ganas sin importar las consecuencias. Si es divertido, si me agrada no me importa lo demás.
Aquello que nosotros permitimos que entre en nuestra mente y corazón es lo que haremos. El mensaje es asimilado. Muchos son los mensajes de violencia, de perversión sexual, de rebelión, etc, que abunda en la temática de innumerables grupos. Algunos ejemplos de ello lo encontramos en “Bohemian Rapsody” del grupo Queen que dice: “Madre, recién maté a un hombre, le puse una pistola en su cabeza, y tiré del gatillo, y ahora está muerto... Madre la vida recién comenzó, ahora la he desperdiciado”.
Otro es el grupo “The Doors” en su tema This is the end (este es el final): “Se puso sus botas, tomó su cara de una galería antigua y el caminó por el pasillo, ...el entró en la pieza donde su hermano y entonces el la ...y después la,...visitó a su hermano y entonces... caminó por el pasillo y se encontró con una puerta y miró hacia adentro...
Padre, si hijo, quiero matarme...Madre...yo quiero...” (palabras muy fuertes para repetirlas).
El sexo en la música rock es una obsesión. Prince dijo: “Las fantasías sexuales son todo lo que mi mente puede ver”. La pornografía, el sexo ilícito, la promiscuidad sexual, la transgresión, etc. Son temas de innumerables grupos musicales de todo tipo y género.
Jesús dijo: “Oísteis que fue dicho: No cometeréis adulterio. Pero yo os digo que cualquiera que mira a una mujer para codiciarla, ya adulteró con ella en su corazón” (S. Mateo 5:27-28). El problema se suscita en nuestro corazón:
“Porque del corazón salen los malos pensamientos, los homicidios, los adulterios, las fornicaciones, los hurtos ,los falsos testimonios , las blasfemias. Estas cosas son las que contaminan ...” ( S. Mateo 15:19-20).
¿Cómo llegaron estas cosas a nuestro corazón?
Evidentemente el algún momento, de alguna manera hemos permitido que entre en nuestra vida pensamientos, ideas, conceptos que nos contaminan, degradan nuestra ética y moral, y destruyen nuestra vida.
Algunos grupos musicales modernos están muy relacionados o insinúan actos sexuales, pornografía, etc.
Los Estados Unidos es uno de los mayores productores y consumidores de pornografía del mundo. No es de extrañarse que haya un altísimo índice de violación.
Lo que sembremos en nuestra mente y corazón es lo que recogeremos. Si sembramos cosas buenas, cosas buenas segaremos, si sembramos cosas malas, cosas malas segaremos.
Hebreo 3:13 dice: “Antes, exhortaos los unos a los otros cada día, entre tanto que se dice, hoy, para que ninguno de vosotros se endurezca por el engaño del pecado”. Cuando el corazón de la persona se endurece, suceden tres cosas:
1) Justificamos nuestro pecado.
2) Somos ciegos y resistimos la verdad y salvación de nuestras vidas por Dios.
3) Somos mas susceptibles al próximo pecado.
La homosexualidad y el lesbianismo es parte del mensaje de muchos grupos. Algunos de ellos abiertamente han reconocido su situación. Una pregunta que deberíamos hacernos: ¿Qué estamos recibiendo al escuchar o ver a estos grupos?
En el tema de “Use to love her” de los Guns and Roses escuchamos: “Yo solía amarla, OH sí, pero tuve que matarla, yo solía amarla pero tuve que matarla, supe que la echaría de menos, así que tuve que guardarla... ella está enterrada justo en mi patio... ella me molestaba mucho, me volvía loco, y ahora estoy feliz de esta manera.
OTROS PROMUEVEN LA VIOLENCIA EN EL SEXO
En el tema Strange Love de Depeche Mode dice: “Me dejo llevar por el pecado, porque me gusta practicar lo que yo predico...Dolor, ¿me lo vas a devolver? Lo digo de nuevo dolor...dolor...”
Los Guns and Roses en el tema “You Could be Mine” dice: “Soy un rompecorazones listo para arder, y te voy a romper tu corazón en dos, y te voy a dejar tirada en la cama...”
El famoso tema “The Wall” del grupo Pink Floyd muestra una gran cantidad de rebelión hacia el sistema educativo y los profesores, en una parte de la letra de esta canción dice: “No necesitamos educación,...ni turbio sarcasmo en las aulas”. En cierto reportaje que se le hiciera a los Beatles estos dijeron: “Nuestra música es capaz de causar inestabilidad emocional, trastornos de la conducta, rebelión e incluso revolución”.
Algunos de los dibujos animados más recientes usan técnicas y mensajes vinculados con la rebelión, la violencia y el ocultismo. El mensaje que millones de niños ven y oyen puede afectar su conducta y forma de actuar.
¿Qué estamos sembrando en la mente y el corazón de nuestros niños?
1ª. Samuel 15:23 dice: “Porque como pecado de adivinación es la rebelión y como ídolos e idolatría la obstinación”. Otros de los temas que suele presentarse en forma reiterada en muchos grupos de música, como también en la vida de muchos de sus seguidores, es el uso de alcohol y drogas. Según sus estadísticas del departamento de Salud y Servicios humanos de los Estados Unidos afirma que el 55% de los estudiantes han experimentado con el alcohol antes del primer medio. El abuso de drogas y alcohol también suele ser parte del mensaje que algunos grupos trasmiten. Al realizar una encuesta y preguntar a las personas el porqué del uso de drogas, algunos respondieron: “simplemente para volarse, otros para evadir angustias, llenar la soledad de su corazón, crear un paraíso artificial, pasar un momento de satisfacción, perder el contacto con la dura realidad, etc.” En un reportaje que hiciera la revista Live a Jimmy Hendrix dijo: “Yo puedo explicar todo mejor por la música, uno hipnotiza a la gente hasta llevarla directamente a su estado natural, y cuando está en su punto mas débil, les puede predicar tu mensaje a su subconsciente.
Hedí Manson dijo: “La música se usa en todas partes para acondicionar la mente humana, pueda ser tan poderosa como las drogas y tal vez mucho mas que nadie toma la manipulación de la música en serio”.
Numerosos grupos de rock y heavy metal usan frecuente símbolos satánicos seguramente el más conocido es el 666, el número de la bestia.
Muchos son los que en la actualidad abiertamente transmiten un mensaje a través de las letras de las canciones exaltando la obra del enemigo, como en los temas de “Enter Sandiman” del grupo Metallica, “Highway to Hell” del grupo ACDC, “Devil Incide” (el diablo dentro) del grupo INXS, podríamos mencionar a muchos otros cuyos nombres y siglas se relacionan con este tipo de prácticas como ser el grupo KISS, el grupo SLAYER, etc. Algunos grupos musicales recurren a elementos más elaborados como es el “Backmasking”. Este es el trabajo de un ingeniero sonidista que introduce un mensaje en una de las pistas de grabación al revés y luego mezcla con el resto de la música. En su formato original no tiene ningún sentido pero a la inversa se escucha el mensaje.
Son numerosos los casos en que se utilizan diferentes técnicas para introducir mensajes subliminales, algunos han reconocido que han sido influenciados por una fuerza “sobrenatural”.
En el tema “Escalera al cielo”, del grupo Led Zeppelín, se escucha claramente un mensaje exaltando e incitando a vivir una vida rendida a Satanás.
El famoso grupo “The Rolling Stones” en su tema “Simpatía por el diablo”, que se dice es el himno patrio de los satanistas americanos, abiertamente declaran que el enemigo desea introducirse en el hombre, deseando robar las almas de muchos. Transcribir textualmente su letra y contenido sería exaltar aún mas al enemigo.
Es el tiempo que cada uno abra los ojos y preste atención a que cosas estamos permitiendo entrar en nuestra vida y hogar.
Todo lo que escuchamos, vemos o leemos de una manera o de otra manera nos afecta. La pregunta que nos debemos plantear es: ¿Qué estamos escuchando en realidad?, ¿Cuál es el mensaje que estamos recibiendo? ¿Qué espíritu es el que transmite?, 2ª Cor. 2:11 dice: “...para que Satanás no gane ventaja alguna sobre nosotros; pues no ignoramos sus manipulaciones”.
Hay una estrategia definida que el enemigo está utilizando, no es un juego. Hay una batalla espiritual que se está desarrollando.
El cristiano comprometido debe aprender a abrir su corazón y permitirle a Dios que lo limpie de toda maldad y de todo pecado. No permita que ahora ese corazón limpio vuelva a contaminarse por cuestiones que muchas veces no le hemos dado importancia.
La música que escuchamos también puede ser un instrumento que nos bendice, anima y ayuda; o que nos maldice y destruye. La decisión y la elección es personal.
En Deuteronomio 30:15-18 dice: “Mira que yo he puesto delante de ti hoy la vida y el bien, la muerte y el mal; porque yo te mando hoy que ames a Jehová tu Dios, que andes en sus caminos, y guardes sus mandamientos, sus estatutos y sus decretos, para que vivas y seas multiplicado, y Jehová tu Dios te bendiga...Más si tu corazón se apartare y no oyeres, y te dejares extraviar, y te inclinares a dioses ajenos y les sirvieres, yo os protesto hoy que de cierto pereceréis”.
La elección es personal, las consecuencias, buenas o malas dependen de ello.

Quiero decirle a cada uno de los Alumnos de este curso de Musica y Direccion Coral basical que en Uds. Esta en enfrentar a Satanas y descubrirle. El apóstol Santiago manifiesta y dice “ Resistid al Diablo y el huìra de Vosotros”

F U G A

2007-06-19T17:26:00.000-04:00

Fuga, composición musical de un solo tiempo y escrita en estilo polifónico, en la que un tema melódico se ve sistemáticamente sometido a la imitación melódica. La textura musical de una fuga descansa en el contrapunto (melodías entretejidas), y su rasgo estilístico más importante es el tratamiento del material temático por medio de la imitación. Esta característica es típica también del fugato, un pasaje que emplea técnicas de la fuga dentro de otra forma, por ejemplo, la sonata. Sin embargo, no necesariamente se ajustará en todos los detalles a una forma fija. La calidad de la fuga depende del partido que se saque del contrapunto riguroso de una única idea. Por ello, cualquier fuga responderá esencialmente a una fórmula abstracta, aunque se desviará de ella en cierto grado.

Fuga La fuga se reconoce fácilmente por la introducción de sus temas en una sección denominada exposición. Normalmente el tema lo presenta primero la voz solista y, a continuación, una segunda voz responde con una réplica del tema. La expresión más perfecta de la fuga se encuentra en las obras para órgano del compositor alemán Johann Sebastian Bach.© Microsoft Corporation. Reservados todos los derechos.

Pueden estar escritas para un instrumento solista, como el órgano o el piano, para grupos de instrumentos o para grupos de voces, ya sean acompañadas, o a capella. El número de partes o voces será dos como mínimo, aunque lo más habitual es que sean cuatro. Este número se mantendrá constante a lo largo de la obra.

2 ESTRUCTURA

Las partes principales de una fuga son la exposición del tema y su imitación. La fuga comienza con la exposición del sujeto que preferentemente aparecerá solo, aunque puede ir acompañado por una o varias voces. Una vez expuesto aparece la respuesta con la última nota del sujeto en la que una segunda voz imita el tema, generalmente en un intervalo de quinta superior o cuarta inferior respecto a la aparición inicial. La respuesta puede ser una repetición literal del tema o sujeto (una respuesta real) o una imitación libre del mismo (una respuesta tonal).

Durante la respuesta, la primera voz continúa evolucionando en un contrapunto libre. Si este contrapunto contiene una melodía significativa que volverá a aparecer más adelante, entonces la melodía se llama contratema o contra sujeto. A la respuesta puede seguirle un breve periodo de contrapunto libre en ambas voces, pero después de un corto espacio de tiempo entrará una tercera voz con una aparición del tema que comienza en el mismo grado de la escala que la primera exposición, aunque una octava por debajo o por encima. Estas apariciones alternadas del tema y la respuesta continuarán hasta que hayan entrado todas las partes. Las voces ya activas continuarán evolucionando en contrapunto libre, pero a veces permanecerán silenciosas durante breves periodos.

A la primera exposición completa le sigue un episodio (pasajes de contrapunto libre construidos con figuras melódicas derivadas del tema, el contratema o el contrapunto libre de la exposición). Las exposiciones siguientes mantienen la textura contrapuntística libre del episodio precedente. Las exposiciones intermedias también pueden utilizar la modulación de una tonalidad central en otras relacionadas.

La fuga puede emplear mecanismos contrapuntísticos adicionales, como la aumentación (exposición del tema con valores más largos), la disminución (exposición del tema con los valores temporales disminuidos), la inversión (la repetición del tema con la melodía dada la vuelta), el estrecho (una serie de entradas imitativas comprimidas, en las que cada voz comienza el tema antes de que la voz precedente haya finalizado su declaración) o el punto de pedal (una larga nota sostenida en el bajo mientras las otras voces continúan en contrapunto).

La fuga con varios temas puede ser doble o triple, e incluir exposiciones de segundos y terceros temas. Hay otro tipo de doble fuga en el que el segundo tema aparece como contratema durante la primera exposición para luego ser utilizado a lo largo de la pieza. Un ejemplo de ello lo encontramos en el kyrie del Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart.

3 HISTORIA

El rasgo estilístico fundamental de la fuga (la imitación de un tema por voces que entran sucesivamente) cristalizó en el motete y la chanson renacentista alrededor de 1500. Estas formas evolucionaron para convertirse en los antecedentes inmediatos de la fuga, el ricercare y la canzona, formas instrumentales relevantes en el siglo XVI y comienzos del XVII. El ricercare del compositor italiano Girolamo Frescobaldi y las fantasías para órgano del compositor holandés Jan Pieterszoon Sweelinck tuvieron una influencia especial en el desarrollo propio de la fuga.

Durante el barroco tardío (la primera mitad del siglo XVIII), la fuga fue muy desarrollada por los organistas-compositores del norte de Alemania, especialmente por Dietrich Buxtehude. La época de esplendor comienza a mediados del siglo XVIII y llega a su máximo expresión con Johann Sebastian Bach que mostró todos los matices y artificios de la fuga en dos colecciones monumentales: El clave bien temperado y el inconcluso Arte de la fuga. Posteriormente decae el uso de esta forma. En Inglaterra, el alemán coetáneo de Bach Georg Friedrich Händel, utilizó fugas corales en sus oratorios. En la era del clasicismo (c. 1750-c. 1820) compositores como Joseph Haydn, Ludwig van Beethoven y Mozart incorporaron la técnica de la fuga en sus sonatas, sinfonías, obras corales y cuartetos de cuerdas. También fueron destacados exponentes Johannes Brahms y César Franck en el siglo XIX, y ya en el XX Paul Hindemith.

ORATORIO

2007-06-19T17:22:00.000-04:00

Oratorio: composición musical de gran desarrollo para voces e instrumentos, de naturaleza dramática o contemplativa y generalmente sobre un tema religioso. Si bien el libreto puede contener incidentes dramáticos, como en la ópera, los oratorios suelen interpretarse en concierto, sin escenarios ni vestuario o atuendo especial.

La historia del oratorio comienza a mediados del siglo XVI, cuando el sacerdote italiano san Felipe Neri organizó los servicios devoción ales en el también llamado oratorio o sala de oraciones de una iglesia de Roma. Los servicios incluían sermones, oraciones, canto de himnos y música devocional. A partir de la difusión de la ópera primero en Florencia y después también en Roma a principios del siglo XVII, algunas de sus características, incluido el estilo vocal del tipo recitativo llamado monodia y el uso de un libreto dramático, se incorporaron a la música escrita para los servicios del oratorio. Las obras de este tipo se denominaron asimismo oratorios. Algunas de las obras primitivas se interpretaban como auténticas óperas, con escenografía, vestuario y una acción escénica. Sin embargo, pronto apareció un narrador (testo) que cantaba descripciones de las escenas y las acciones. A mediados del siglo XVII, el oratorio se distinguía claramente de la ópera por su uso de un testo, la falta de acción teatral, su espíritu generalmente contemplativo y su énfasis en la música coral en lugar de las voces solistas. Entre los primeros compositores de oratorios se incluye al italiano Giacomo Carissimi, a su alumno, el francés Marc-Antoine Charpentier, y a los compositores italianos de ópera Alessandro Stradella y Alessandro Scarlatti. En Alemania había un gran número de compositores que escribieron oratorios, los más sobresalientes fueron Heinrich Schütz y Johann Sebastián Bach. Entre los oratorios de Bach destacan las adaptaciones de los relatos bíblicos La pasión según san Juan (1723) y La pasión según san Mateo (1729). Con obras como El Mesías (1742), el compositor alemán Georg Friedrich Händel creó el oratorio inglés.

A finales del siglo XVIII y durante el XIX, la mayoría de los compositores escribieron oratorios con estilos musicales afines a sus óperas, sinfonías y otras músicas profanas. Entre éstos se incluyen el austriaco Joseph Haydn y el alemán Félix Mendelssohn, con los oratorios Pantus y Elías (1846), el húngaro Franz Liszt, el inglés Edward Elgar, los franceses Héctor Berlioz y Charles Gounod, los españoles Ruperto Chapí y Tomás Bretón, y el belga-francés César Franck.

La composición de oratorios ha disminuido durante el siglo XX. Encontramos ejemplos notables basados en temas bíblicos escritos por William Walton (Belshazzar's Feast, 1931), Arnold Schönberg (La escala de Jacob, 1922), y Elgar (The Apostles, 1903 y The Kingdom, 1906). Sin embargo, la gama de temas se ha extendido y comprende áreas no bíblicas y generalmente más filosóficas. Las obras de este tipo nos llevan a Händel (L'Allegro, il Pensieroso ed il Moderato, 1740, con textos de John Milton) y Haydn (Las estaciones, 1801, sobre un texto de James Thomson). En el siglo XX destacan Un niño de nuestro tiempo (1941) y La Máscara de Tiempo (1984), ambas de Michael Tippett, Juana de Arco en la hoguera (1935) de Arthur Honegger, El pesebre de Pau Casals, Oedipus Rex (1927) de Ígor Stravinski y Das Unaufhörliche (Lo incesante, 1931) de Paul Hindemith.

MI AMIGO

2007-06-19T15:32:00.001-04:00

Quiero agradecer a un hermano y amigo, me refiero al Hno. Mario Astudillo, quien en estos tres años, ha trabajado incansablemente en estos talleres de música. Desde el curso de Llay Llay hasta el curso de San Antonio, ha trabajado en el control, calificacion de alumnos, confección de diplomas, sin olvidar su aporte como profesor en el curso.

Los grandes logros de este curso una gran parte se debe a su desempeño anónimo y en especial a nuestras esposas y familia.-

DIOS TE BENDIGA MARIO, GRACIAS POR TRABAJAR DESINTERESADAMENTE.-

EL USO DE INSTRUMENTOS MUSICALES EN NUESTRA LITURGIA

2007-06-19T15:10:00.000-04:00

Y habiendo cantado el himno ,salieron al monte de las Olivas. Mateo Cap.26 vers.30

Cuando el Maestro participo con este cantico en la fiesta de pascua ( himno que corresponde a los salmos 113 al 118 , llamado HALLEL que significa Aleluya (“ Alabad a Jehová”) marco un precedente para los primeros cristianos dejando un Legado en lo que seria la Alabanza y el cantico en los primeros cristianos. Es importante destacar la sencillez,solemnidad y la sobriedad con que Nuestro Señor Jesucristo entono el halley, himno interpretado en el templo mientras se sacrificaban los corderos de pascua y tambien eran cantado en privado durante la celebración de la pascua.

Los Himnos en general son poemas cortos de meditación espiritual creados para ser cantados en el culto de adoración. El libro de los salmos es la colección mas antigua de himnos y canticos, tenemos dentro de la obras maestras de la poesia religiosa de Israel los canticos de Moisés (Exodo 15:1-9,Dt.31:30), de Debora (Jueces 5) de Ana (1ª samuel 2:1-10), de maria (lucas 1:46-55) de Zacarias (Lucas 1:68-79). En todos estos himnos primaba la adoración, exaltación y veneración al Creador en toda se expresión en algunas oportunidades esra acompañado por una musica muy de acorde al momento intimo con el señor que servia solamente de acompaamiento y apoyo al Cantico.
Nuestro incicios como Iglesia Evangelica Pentecostal en el año 1909, lo que nuestros primeros hermanos realizaban y en donde Dios se manifestaba a traves de su Espiritu Santo era en la alabanza

Lo cual es importante conocer que antes de ese año nuestros hermanos dirigidos por nuestro 1ª Superintendente en los servicios de reunion era comun escuchar los himnos acompañado por el armonio que era interpretado por nuestro pastor Hoover. Dando a a enterder que la música y la alabanza formaban parte del servicio de reunión, y nuestro querido pastor Hoover fiel a la tradición wesleyana le daba mucha importancia a la alabanza, el se encargo de recopilar himnos metodista y transcribirlos en un himnario de música que hasta el día de hoy circulan dando origen al primer himnario Pentecostal. Paralelamente formo un cuarteto varonil para repasar y enseñar los himnos a la congregación y tenían activa participación especial en los servicios de reunión el objetivo era enseñarle los himnos a los hermanos de acuerdo a la musica con la cual habian sido creados.
En todo servicio de reunión el pastor Hoover acompañaba los himnos con el órgano de la iglesia e instruyo a sus nietos Florencia y Mario Gomez Hoover para que pudieran acompañar en el servicio de reunion..
En el periodo de los años 1930 al año 1932 la primera iglesia que estaba a cargo del pastor, Manuel Umaña tomo el habito de tomar los himnos y adaptarlos al ritmo popular de esa epoca formando un conjunto musical compuestas por guitarras y acordeon para la alabanza en el servicio de reunión introduciendolso en la liturgia de la Iglesia.
Este hecho fue rotundamente rechazado por el reverendo Hoover y el pastor Pavez de la iglesia de sargento aldea.
Nuestro Superintendente Hoover, en la iglesia metodista Pentecostal en Valparaíso, no permitió mas que un sencillo órgano en sus reuniones argumentando su decisión con las siguientes palabras: “ La sobriedad en el culto frente a la adoración a Dios es producto de nuestras raíces wesleyana “
A pesar de este pensamiento de nuestro pastor Hoover, cada denominación o corporación es libre de interpretar y de sentir libremente la adoración a Dios.

El iidea de de este escrito recordar que lo mas importante en un culto de adoración es que el hermano y la hermana sea el instrumento principal y que a viva voz manifieste en la libertad con que Cristo nos hizo libres que “ Dios es Soberano por sobre todas las cosas “ . y Fiel a las enseñanzas de Mrs. Hoover, el armonio, el organo y teclado debe ser y es un instrumento de apoyo muy necesario para el buen desempeño e interpretación de las alabanzas en el templo.

Solo puedo concluir argumentando lo siguiente:
-Si la adoración es en espiritu y en verdad no puede ser del cuerpo ( Juan 4:23-24)
-Si son canticos espirituales, no son canticos que mueven el cuerpo(efesios 5:19, colosenses 3:16-17)
-La expresión”cantando con gracia a Dios en vuestro corazones” se refiere al sentimiento interior y no al organo muscular llamado corazon( efesios 5:19)

Eusebio un historiador judio cristiano manifesto lo siguiente:
“ Nosotros cantamos el loor de Dios con salterio vivo... porque mas agradable y caro a Dios que cualquier instrumento es la armonia de la totalidad del pueblo cristiano.
Nuestra citara es la totalidad del cuerpo, por cuyo movimiento y accion canta el alma himnos aproppiados a Dios, y nuestro salterio de diez cuerdas es la veneración del espiritu santo por los cinco sentidos del cuerpo .”

Dios les bendiga Hermanos del Curso.-

EXPOSITORES Y PROFESORES

2007-06-19T14:54:00.000-04:00

Quiero agradecer a la Hna. Yasna Cordova, de profesión Psicóloga, estudiante de la Univerdad de las Américas, ella nos ayuda en el curso con el tema del Perfil Psicológico del Director, y cómo debe ser su comportamiento con los hermanos, el trato hacia ellos y la forma de desempeñarse frente al grupo coral.

Dios le bendiga Hna Yasna y GRACIAS POR SU TRABAJO DESINTERESADO PARA EL SEÑOR

CURSO DE MUSICA EN COCHABAMBA - BOLIVIA

2007-06-19T12:55:00.000-04:00

En los días del 31 de marzo al 8 de Abril el Hermano Eliecer Collarte viajo a la ciudad de Cochabamba -Bolivia a realizar un taller de música, en donde participaron las siguientes Iglesias:

1ª de mayo - Sta Cruz, Cerro Verde, Charagua - Sta Cruz, Chimba - Cochabamba, Cochabamba, Cochabamba Norte, Jarenilla - Oruro, Las Delicias La Paz, Llallagua - Potosi, Los Angeles Sta Cruz, Nueva Primavera, Oruro terminal, Pampanasi - La Paz, Quillacollo, Sacaba, san Ignacio de Velasco - Sta Cruz, Senkata La Paz, Tiquipaya, Toledo, Villa 14 de Septiembre - Chapare, Villa Norte Sta Cruz, Villa Tejeda - La Paz, Yacuiba - Tarija.

De todas estas iglesias llegaron hermanos con el deseo de aprender y trabajar en sus iglesias en la formación de coros. Un saludo a nuestra pastor Presbítero Pablo Laura Mamani, durante esos días la iglesia cobijo a 52 hermanos, dándole alojamientos y preocupados al máximo del bienestar de ellos. El curso comenzaba a las 09:00 y se concluía a las 13:00 para el almuerzo y a las 14:00 se reiniciaba para concluir a la 16:00 horas, muchas veces los hermanos era tanto su deseo de aprender que el curso terminaba 17:30 , se pasaba al comedor y después nos esperaba la reunión de la noche. Fue una fiesta espiritual difícil de olvidar y EL CARIÑO Y APRECIO DE LOS HERMANOS DE BOLIVIA HACIA MI AMADO SUPERINTENDENTE Y PASTOR PRESBITERO ELISEO CARO, Dios bendiga a nuestros hermanos en Bolivia.

Algunas Fotos de momentos maravillosos vividos en ese Pais. " BOLIVIA PARA CRISTO".-

CLAUSURA CURSO EN SAN CARLOS

2007-06-19T10:37:00.000-04:00

Quiero agradecer a mi Amado pastor Luis Alberto Gutierrez por las ricas atenciones recibidas de parte suya en este curso juntos a nuestros hermanos Eliecer Collarte, Mario Astudillo y Abdias Rodriguez; como no olvidar en esa clasura cuando juntos entonanos el coro "MORA EN MI VIDA", haciéndose sentir muy fuerte el Señor en medio nuestro.
Mencion especial a la visita de nuestro querido y amado Superintendente que junto a nuestro amado pastor Carlos Gonzalez de la iglesia de Cisterna estuvieron presente en este desfile de clausura.
Dios bendiga en gran manera a esta iglesia y pague con ricas bendiciones todas sus atenciones.

PROFESORES Y MONITORES

2007-06-19T10:06:00.001-04:00

Queremos agradecer a nustra Hermana Elga Olea, Cantante Lirica Profesional, del Staff permaenente del Teatro Municipal, ella estara los dias 04 y 11 de Agosto trabajando en el area Tecnicas basica de Canto, junto a nuestro Hermano Gabriel Millanao Salgado, 1ª tenor del cuarteto Peniel y con estudios de canto popular y lirico en la Escuela de Artes Vocales.

Les agrecemos a ellos su tiempo que han ofrendado al Señor.-

Agradecemos al Sr.Jeronimo Castro Musico, interprete de Contrabajo y actualmente integrante de un grupo de Jazz, el nos estara apoyando en alguna clase en el aspecto expresion artistica.

JUntos a estos Maestros Estaran los expositores que hemos trabajado a traves de estos 3 años formando hermanos en diferentes lugares hasta en Bolivia que son la base de este taller que a continuacion expongo:

Hermanos:

Mario Astudillo, David Torres, Eliecer Collarte y los monitores Johanna Acevedo y Johanna Collarte.

Dios bendiga a toso estos hermanos este trabajo.-

EXPOSITORES Y PROFESORES

2007-06-19T09:54:00.000-04:00

Agradecemos a Dios su ayuda en este trabajo al poder darnos la oportunidad de contar gentes especializada en el ambito musical, que nos estara apoyando alguno sabados en este trabajo musical.

Estara con nosotros el Hermano Ricardo Alvarez Navarrete, junto a sus padres se crio en la iglesia en Sargento Aldea. Se titulo de Fonoaudiologo en la Universidad de Chile para luego especializarse en el àrea de la voz.

Paralelamente, estudio Licenciatura en canto en el conservatorio de musica y luego viajo a Estados Unidos para hacer un Master en Professional Voice, lo que le permitio trabajar posteriormente con voces profesionales del ambito nacional.

Actualmente dirige la escuela de artes vocales, junto a una ex alumna hoy socia la Sra Miriam Hernandez (Cantante profesional Popular). Tambien es el autor de un libro titulado " La tecnica Vocal para el cantante de Musica Popular ".

Le agradecemos su presencia en este taller dce musica y Dios bendiga su disposicion.-

2007-06-18T20:05:00.000-04:00

BIENVENIDOS AL CURSO DE MUSICA

Entre el 7 de Julio y 8 de Septiembre de 2007, se llevará a cabo un taller de música en la Iglesia Evangelica Pentecostal en Santiago Sargento Aldea( Clase de Departamental Nº 1413 ).
Agradecemos a nuestro amado Superintendente Pastor Presbítero Eduardo Valencia Martinez y nuestro querido Pastor Presbítero Eliseo Caro Parraguez la disposición de autorizar este curso para los hermanos de Sargento Aldea, sin duda sera de una gran bendición Espiritual para ellos como para la iglesia.
Esperamos en Dios que su presencia se haga manifiesta en cada una de las clases y nuestro sentir sea " TODO LO QUE RESPIRE ALABE A JEHOVA ".-